Filmene fra Roman Polanski, der blev værst efter bedst

Få instruktører har haft større indflydelse på moderne horror- eller arthouse-thrillere end Roman Polanski. Hans film spænder fra spredningen af ​​'Chinatown' til den dybe klaustrofobi af 'frastødning', men næsten alle bevarer det samme brudte verdensbillede, den samme mørk absurdistiske sans for humor, og det samme fokus på magt spiller. Kontroversen om Polanskis forbrydelser i det virkelige liv overskygger nogle gange hans film, men han er stadig en vigtig og vigtig instruktør i sit sjette årti som filmskaber. I påvente af hans seneste ”Venus in Fur”, der åbner denne fredag, er her en placering af hans film, fra værst til bedst.



LÆS MERE: 'Venus in Fur' Direktør Roman Polanski i Cannes: 'Jeg har levet længe nok til at vide, at jeg kan instruere.'

20. “Hvad? ”(1972)




Indiewires egen Eric Kohn lavede en temmelig god sag til 'Hvad?' Som noget andet end en irriterende id upchuck. Jeg ville ønske, at jeg kunne gøre det samme. Filmet i Italien efter producent Carlo Ponti gav Polanski en carte blanche og en smuk italiensk villa at arbejde med, ”Hvad?” Er posiseret som en sexet riff på ”Alice i Eventyrland” ved hjælp af Fellini. Det får den til at lyde mere sammenhængende, end den er, og forbereder sig ikke på filmens voldsomme misogyni. Åbning med en forsøgt bende voldtægt, der spilles til grin (ikke et godt tegn), filmen ser en sparsomt klædt Synde Rom i en tilstand af evig seksuelt misbrug af ligesom Marcello Mastroianni (i en smule trist selv-parodi) og Polanski selv. Hvor tidligere Polanski-bestræbelser indeholdt en vis empati for de kvinder, der blev brugt af mænd, har 'Hvad?' Ikke noget reelt perspektiv på uglinessen, der vises, idet han spillede som en urolig smule for at skygge for, hvordan Polanskis dekadente stil og livsstil var skåret ind i noget grimt .




19.
“Pirates” (1986)

akseltrailer 2019


'Pirates', der blev udgivet efter et syv-årigt fravær fra filmskabelse, tyder på, at instruktøren var lidt rusten. Misforståelsen af ​​filmen starter med den surrealistiske fejlagtning af Walter Matthau som en pirat, der ser den fremtrædende sympatiske karakter skuespiller begravet under masser af hår og makeup, hvor hans genkendelige stemme handles for en frygtelig pirat accent. Hvad der er værre, 'Pirates' har ikke den form for fortælling, der bedst tjener instruktørens absurdistiske sans for humor, i stedet består af en flok smadrede scener, som Polanski syntes ville være sjovt. Og selvom der er imponerende øjeblikke med rent skue, navnlig den fulde skala, der er bygget til produktion, er actionscenerne hakkende og vanskelige at følge, hvilket gør filmens salgssteder til et slog at sidde igennem.



18. “Oliver Twist” (2006)


I betragtning af Polanskis egen svulmende barndom er det let at se, hvordan tilpasning af Charles Dickens “Oliver Twist” kunne have været et fristende forslag. Men Polanskis overtagelse af Twist er ikke særligt kendetegnet ved at vedtage den samme triste visuelle palet, der arbejdede på 'Pianisten' uden den tidligere film & ss gradvise farveafløb, der gjorde valget effektivt. Filmen ellers livløst dækker de samme plotpunkter, der blev set i tidligere tilpasninger af romanen, hvor Ben Kingsleys hammy Fagin leverer det eneste energipunkt. Det er ikke en frygtelig film, men det er for forbandet velkendt til at skille sig ud ved David Lean's uudslettelige version fra 1948 eller Carol Reeds oppustede, men charmerende film af musicalen 'Oliver!'



17. “Død og pigen” (1994)


Få instruktører får mere kilometer ud af at begrænse film til et sted end Roman Polanski, men han har undertiden problemer med at tilpasse skuespil. 'Death and the Maiden' har en genial opstilling: en tidligere revolutionær (Sigourney Weaver), der lider af PTSD, mener, at hun har fundet manden (Ben Kingsley), der torturerede og voldtog hende for år siden og tager ham som gidsler; hendes mand (Stuart Wilson) er mindre sikker. Problemet er, at skuespillets insularitet føles forfulgt på skærmen, og det er alt for næse med sine punkter om magt, vanvid og paranoia. Rollebesætningen er også ujævn: Kingsley er fremragende som den undertiden sympatiske, til tider nebuløse gidsler, men Wilson gør ikke meget indtryk, og Weaver er ukarakteristisk overophedet, hvilket undergraver et allerede rystet manuskript, der drejer om tvetydigheden om, hvorvidt eller ej hun har ret.



16. “Carnage” (2011)


Polanski havde mere held med at åbne 'Carnage', en tilpasning af Yasmina Reza & ss skarp skuespil 'God of Carnage', hvor to par adskilt af klassen mødes for at diskutere en hændelse mellem deres børn og afvikle rive på hinanden ’; s halser . Polanski spiller parternes manglende evne til at forlade lejligheden og bare lade den gå som en fantastisk absurdistisk vittighed og lade skuespillerne tage kontrol over skærmen. Men kun halvdelen af ​​rollebesætningen er klar til opgaven: hvor Christoph Waltz hilarisk nedlatende og Kate Winslet samtidig irriterende og sympatisk, overdriver Jodie Foster sin skæve karakter, mens John C. Reilly ikke kan sælge sin almindelige pludselige skift til boorishness. Og selvom rollebesætningen var på samme side, er “God of Carnage”, Tony Award er forbandet, ikke et særlig godt skuespil, en lavt leje Edward Albee wannabe, der tænker tanken om, at folk skjuler deres misantropi under en facade af civility er ny og indsigtsfuld snarere end veludslidt og spillet ud.



15. “Den niende port” (1999)


'Den niende port' er en dum film, men alligevel er der noget pervers underholdende ved det. Selvfølgelig er komplottet, om en jagt efter en bog, der bogstaveligt talt er skrevet af djævelen, latterligt, og filmen slutter med et kæmpestort, hvor den mystiske skurk (Frank Langella) pludselig begynder at optræde som en idiot. Men det betyder næppe noget tidligt, som ser Polanski blande uhyggelig klassisisme med en buetone til berusende virkning. Det hjælper, at Johnny Depp, tilbage i den 'faktisk forsøgende' fase af sin karriere, bringer den rigtige note af skepsis og dumhed for filmens 'Chinatown' møder 'Rosemary ’; s Baby' -opsætningen. Som drama er det utilfredsstillende og mere end lidt fjollet. Som en stilistisk øvelse er det en eksplosion.



14. “Frantic” (1988)


“Frantic” er den mest ligefremste film, som Polanski nogensinde er lavet, en let efterligning af en Hitchcockian thriller med en svag macguffin, umærkelig skurke og en blank forestilling af Polanskis fremtidige kone Emmanuelle Seigner som den mystiske kvinde, der hjælper Harrison Ford med at redde sin bortførte kone. Men Polanski får et stærkt arbejde ud af den bleary-eyed og stadig mere irriteret Ford, når han beskæftiger sig med ineffektive bureaukratier og montering udmattelse. Polanski trækker også nogle dynamittsæt, inklusive et, hvor Ford skal undgå at blive set eller hørt på Seigner ’; s taget. Det er en engangsfilm, men næppe en dårlig film.



13. “Tess” (1979)


Tænkt som et comeback for Polanski efter hans eksil fra Amerika, 'Tess', en tilpasning af Thomas Hardys 'Tess af D’Urbevilles,' så instruktøren kort tilbage på toppen af ​​sit spil og tjente ham sin anden bedste instruktør-nominering. Det er en film med mange glæder, fra Geoffrey Unsworth og Ghislain Cloquet & ss dejlige, disige filmfotografering til Nastassja Kinski & ss smukke tentative ydeevne, og Polanskis dybt sympatiske blik på Tess 'dehumanisering spiller som en velkommen tilføjelse til Polanskis fortsatte fascination. med magt og urimelige verdener. Men 'Tess' bevæger sig i en snegls tempo, og føles ofte som en rig forestillet, men i det væsentlige formløs bog om film, og Polanski er bedre egnet til film med stadig nærværende frygt og fare, end han er til at maleriske perioder. Det er en beundringsværdig film, men ikke altid en gripende film.



12. “The Ghost Writer” (2010)


I en kort periode så det ud som “The Ghost Writer ”; kan være Polanskis sidste film, da instruktøren næsten blev udleveret til USA for sin voldtægt af en mindreårig pige i 1977. Det var det ikke, men det ville ikke have været en dårlig film at ende på. Åbning med et elegant træk, der er værd at være Hitchcock - en bil forlader ikke færgen, og en krop vasker i land - Polanski opretholder en stemning af stille, simmende frygt, som aldrig slipper op. Polanski har ikke meget interesse i de politiske implikationer af Pierce Brosnans Tony Blair-surrogat, men han får et stort arbejde fra hans rollebesætning (især en mystisk Olivia Williams), og hans mestring af begrænset perspektiv gør nogle store forkeringer til en følelse af isolation for en hovedperson, der er en mand uden eksistens, en mand, der let kan forsvinde eller blive kontrolleret.



11. “Cul-de-sac” (1966)


Dwarfed af Polanskis andre 60'erne film og ikke tilgængelig, indtil Criterion frigav den for et par år siden, 'Cul-de-sac' er en overgangsfilm for Polanski, men en mindeværdig indsats i sig selv. En slags 'Waiting for Godot' møder 'Little Caesar', filmen er et magtspil mellem den brash amerikanske gangster Lionel Stander, der ’; s venter på en kollega, der aldrig viser, og ineffektiv Brit Donald Pleasence, hvis slot Stander snubler over . Stander dominerer og emasculates Pleasence foran sin oversexed kone (Francoise Dorleac), da Polanski bruger slottet til at slå effekt, og gør en vitsekamp til et stort udseende på mandlig dominans. Hvis de sidste øjeblikke af denne sorte komedie er mere foruroligende end sjove, skyldes det, at det er komik i ordets ærligste forstand, idet Polanskis dystre verdensbillede skubbes til dets mest gulsot.



miss stevens film

10. “Venus in Fur” (2013)

Mens filmens to-personers handling sandsynligvis ville have gavn af at se skuespillerne i kødet, føles 'Venus i pels' aldrig som dåse teater, med Polanskis subtile forskydninger i belysning og off-kilter kompositioner perfekt passer til denne dejlige lystige psykodrama. Emnet er også perfekt til ham, ved at destillere hans indtager sex og magt i kunsten i en koncentreret dosis og indeholder en karriere-bedste forestilling fra Emmanuelle Seigner som en skuespiller, der konstant skifter fra skuespiller til karakter, underdanig til dominerende, manipulerende til … mere manipulerende.



9. 'Lejeren' (1976)


Polanskis sidste film inden hans permanente eksil fra USA er også hans mest unhinged og uden tvivl hans mest foruroligende. Den sidste del af en løs trilogi ”Lejlighedstrilogi”, der startede med ”Frastødning” og ”Rosemary ’; s Baby,” filmen viser Polanski som en polskfødt bogholder i Paris, der mener, at hans fremmedhadlige naboer enten forsøger at tvinge ham til selvmord som den forrige (kvindelige) lejer eller, mere bizarrely, forsøger at forvandle ham til den forrige lejer. Filmen starter skøre og bliver skørere, blander uhyggelig surrealisme (Polanski dropper stykker skrald, når han tager sit affald ud, kun for at komme tilbage og finde dem mangler), terror (den forrige lejer vises uforklarligt på tværs af vejen og giver ham en uhyggelig smil) og flad ud rare (Polanski smækker et lille barn uden nogen bemærkelsesværdig grund). Filmens tese er ikke så klar som hans tidligere indsats, men det er stadig en meget effektiv historie om, hvordan verdens sindssygdom forgifter sindet.



8. 'Bitter Moon' (1992)


Polanskis mest undervurderede film 'Bitter Moon' er lidt af en omarbejdning af sin debut 'Knife in the Water' - begge er indstillet på skibe (denne på et krydstogtskib), og begge handler om forhold, der er anstrengt af øget seksualitet . 'Bitter Moon' bringer Polanskis æstetik til en større ekstrem, startende med en tungen-i-kind-softcore-uklarhed og campy tone, der kulminerer med at Emmanuelle Seigner hælder mælk over hendes bryster til melodien til George Michaels 'Tro' og derefter tager publikum ud af deres falske følelse af sikkerhed til ubehageligt territorium som Peter Coyote iført en svinemaske og kravler på alle fire eller Coyote og Seigners intense følelsesmæssige grusomhed over for hinanden. Deres uhæmmede sleaziness er i kontrast til Hugh Grant og Kristen Scott Thomas milketoast-par, der viser, hvordan et ekstremt forhold kan spejle et mildere, med begge i sidste ende hængende på magtspil mellem elskere.



7. “Pianisten” (2002)


Polanskis mest personlige film er også en af ​​hans bedste, en Holocaust-film, der handler så meget om en verden, der er blevet gal, som den er om begivenheden. Det har nogle af Polanskis subtile indslag, fra skiftet i kostumer fra levende periode tøj til takke gråtoner og browns til brugen af ​​et begrænset perspektiv af Wladyslaw Szpilman (en hjemsøgt Adrien Brody i en Oscar-vindende rolle), som aldrig kan vide hvem man skal stole på, eller hvor man skal henvende sig til, og hvem er hjælpeløs med at gøre noget for at modstå nazisterne, hvis han vil overleve. Polanski ser også den mørke (hvis umulige at grine af) absurditet i Szpilmans situation, da han konstant er skånet for døden ikke ved brug af sine forstand, men af ​​ren stum held. Han opretholder en følelse af bitter ironi frem til slutningen, når en tyskers gode gerning ikke er nok til at redde ham fra glemsel. Filmen fik Polanski en overraskelse Oscar-sejr for bedste instruktør og en rigt fortjent.



6. “The Fearless Vampire Killers” (1967)


Sandsynligvis den mest polariserende film i Polanskis oeuvre, 'The Fearless Vampire Killers' er hans mest succesrige komedie i en vandring, en irreverent, men kærlig parodi på Hammer-horrorfilmene. Humoren er bred, men Polanski filtrerer den gennem en finjusteret genreramme, og mange af hans berøringer er virkelig inspireret, især en jødisk vampyr, der griner af en kvinde med et kors (“Oy vey, har du den forkerte vampyr! ”) Og kvetches om at få mindre behandling end de rige goy vampyrer. Polanski frister også den skæve seksuelle humor med en ægte sødme, når hans karakter falder for den strålende Sharon Tate (som desværre kun ville møde hendes skæbne af Manson-familien først to år senere). Selv denne sødme fører dog til en af ​​de bedste ironiske afslutninger i Polanskis filmografi, hvilket antyder, at det er gennem kærlighed, at det onde kan erobre, noget som Polanski ville vende tilbage til i 'Rosemary ’; s Baby.'



5. “Macbeth” (1971)


Det er sandsynligt, at den endelige filmversion af Shakespeares skuespil (kun Akira Kurosawa ’; s 'Throne of Blood' ville konkurrere med det), Polanskis 'Macbeth' er Barden i form af atmosfærisk rædsel. Undergang og frygt hænger over hele verden som et altid tilstedeværende spøg, og filmens griskeste scene, slagtningen af ​​Macduffs familie, bærer en foruroligende lighed med beskrivelserne af Sharon Tates mord, som om Polanski udøver sine værste mareridt. Polanskis friheder med stykket gør det kun endnu mere foruroligende, med en afslutning, der antyder cyklussen for vold, forræderi og død vil fortsætte indtil tiden er slut.



4. “Kniv i vandet” (1962)


En af de største instruktordebuter gennem tidene, 'Knife in the Water' er en film, hvor sindspil mellem gamle og unge, borgerlige og proletariat bliver fysiske. Polanski, der strålende kontrasterer havets åbenhed med klaustrofobi af båden, som et gift par og en ikke navngivet, viril hitchhiker forbliver på, giver dem intet andet valg end at forholde sig til hinanden, indtil en konkurrence om den rigemands hustrus kærlighed vender grimt, da besiddelse af en kniv (stor, fallisk og brutal) bliver et symbol på magt og seksuel dominans. Det er en pessimistisk film, hvor ingen er uskyldige, alle spiller et spil, og ingen af ​​dem kan vende tilbage til deres almindelige eksistens. Alligevel er det også en af ​​de mest underholdende thrillere fra 1960'erne, hvor Polanski viser en evne til at arbejde med dybt fokus og legende redigering.



3. “Frastødelse” (1965)


Polanskis film handler ofte om uskyldige, der er vred af verden, men der er noget frygteligt galt med Catherine Denueves karakter i ”Frastødelse” fra begyndelsen. Når hun hører sin søsters orgasmer, ser hun ud som hun bliver tortureret. Al seksualitet er voldtægt til Denueve - hendes drømme om mænd, der dominerer hende, og visioner om vægge, der griber fat i hendes bryster, er bare springbræt til hendes nedstigning til sindssyge. Det er den sjældne rædselfilm, hvor de surrealistiske elementer næsten er trøstende sammenlignet med de realistiske - Deneuves kolde stirring, hendes livlige drømme om seksuel krænkelse og ærligheden i mordscenerne. Polanski leger med tanken om, at hun er en kvinde ude af sted - en undertrykt europæisk pige, der beskæftiger sig med den seksuelle permissivitet ved at svinge London - men et forundrende slutskud efterlader det åbent for, om denne frygt kommer fra tidligere erfaring eller generel undertrykkelse. Det er en del af, hvad der gør “frastødelse” så effektiv og foruroligende - der er intet svar.



2. “Rosmarin ’; s baby” (1968)


Geniet med 'Rosemary's Baby' begynder med nogle af de bedrageriske rollebesætninger i Polanskis karriere: en forunderlig udtryksfuld Mia Farrow som en pige ved siden af ​​blev syg, livredd mor, blød Ruth Gordon som en sød satanisk nabo og uafhængig filmskaber og undertiden mainstream skuespiller John Cassavetes som en mand, der sælger sin sjæl til en pause. Domineringen af ​​Rosemary er et af Polanskis mest perfekt realiserede magtspil, da de dominerende karakterer ikke længere er de åbenlyst foragtelige eller skumle figurer af 'Knife in the Water' og 'Repulsion', men de mennesker Rosemary stoler mest på: læger, venlige naboer, hendes mand. Polanski sætter os i Rosemarys begrænsede perspektiv, hvor vi føler hendes paranoia, men sætter spørgsmålstegn ved, hvor meget vi kan stole på, hvad vi ser. Og filmens kølige afslutning er foruroligende ikke fordi den antyder eksistensen af ​​ondskab, men at det gode kan fratræde sig for at acceptere det. Mere end 'Psycho', som slutter med en forklaring, 'Rosemary's Baby' er fødslen af ​​moderne rædsel, hvor 'hvorfor' af situationen er umulig at svare på.



1. “Chinatown” (1974)

jeg hader vidunderlige film


Kronjuvelen i Polanskis filmografi, 'Chinatown' er et krakket, koldt mesterværk, en revisionistisk oprindelseshistorie for det moderne Amerika. Arbejder med Jack Nicholson på højden af ​​sin smart-alecky charme med et næsten perfekt manuskript af Robert Towne, og handler med de sorte og hvide af noir for et solbadet blik på den skyggefulde, sømige side af Los Angeles. 'Chinatown' fungerer både som en apotheose af noir og en undergravning deraf, hvor det glatte private øje kun forværrer tingene og femme fatale er den eneste virkelig uselviske karakter. Det er det ultimative blik på Polanskis interesse for magt og en verden, der er blevet gal, hvor årsagen bag udnyttelsen af ​​både jord og personlig tillid er simpelthen fordi skurken var i stand til det, og hvor helten ikke engang kan bringe lys til sandheden . ”Glem det, Jake, det er Chinatown.”



Odds and Ends: Polanskis tidlige kortfilm, alle sammen lavet i hans embedsperiode på National Film School i Lodz, er tilgængelige i kriterieudgaven af ​​”Knife in the Water.” De er alle fremragende, men den absurde korte “To mænd og en garderobe” er især af interesse. Han er i øjeblikket klar til at instruere sin 21. funktion, 'D', om Dreyfus Affair. Og som med enhver instruktør, har han en række fascinerende, ikke-fremstillede projekter, inklusive tilpasninger af Dostojevskys 'The Double' og Mikhail Bulgakovs stalinistiske satire 'The Master and Margarita', som Polanski betragtede som det bedste manuskript han nogensinde skrev. Nå godt.



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse