Rainer Werner Fassbinder's film: Et tilbageblik

”Jeg vil gerne være for biografen, hvad Shakespeare var for teater, Marx for politik og Freud for psykologi: nogen efter hvem intet er som det plejede at være, ”; Tysk instruktør Rainer Werner Fassbinder engang erklæret, sandsynligvis halvt alvorligt, halvt facetisk.



Fassbinder døde i 1982, i en alder af 37 år, af en dødelig kombination af smertestillende og rigelige mængder kokain. Sagnet fortæller, at han arbejdede lige indtil sin død, og sider og noter fra et ufilmeret manuskript blev fundet ved siden af ​​hans krop. I andres tilfælde kan dette muligvis være mytning, men Fassbinders bagkatalog beviser, at han var en mand konstant, konstant på arbejde: i løbet af sin korte levetid, som om blødende følelser og ideer, gjorde den uber-frugtbare filmskaber en forbløffende 40 spillefilm, to tv-serier, tre shorts og 24 scenespil. Hvilket rejser spørgsmålet, hvad har vi gjort med vores dag? Dette frenetiske tempo krævede imidlertid en tung vejafgift; hans medikamentdrivne arbejdsetik var hverken gavnlig for ham eller for dem, han arbejdede med, og mange af hans forhold (især med skuespillerinde) Irm Hermann) var komplekse (Fassbinders biseksualitet en faktor her) og grænseoverskridende. Han tiltrækkede bitter, personlig kritik i pressen, men på samme tid var han hårdt loyal over for sine samarbejdspartnere og beskæftigede ofte de samme skuespillere igen og igen, i det mindste indtil han fremmedgjorde dem. Han var uden tvivl en vanskelig mand, så glødende med kreativ og kemisk energi, at det i eftertid synes uundgåeligt, at han brændte så lyst ud tidligt.

Men midt i hans livlige personlige og professionelle liv, blev han en stor instruktør, i sine bedste øjeblikke, hvor han nåede et håndværksniveau og dybt følte følelser, der snarere mister hans gonzo, wildchild ry. Hans fineste film viser en filmskaber på en eller anden måde både medfølende og næsten aggressivt usentimental i hans upromantiserede portrætter af lidelse, mistede sjæle. En central figur i den generation af tyske film, der også producerede Werner Herzog og Wim Wenders, selvfølgelig, enhver, der lavede så mange film som Fassbinder, ville ikke slå den ud af parken hver gang - han selv satte sig sammen med at lave film til at bygge huse, og nogle film var VVS eller rodede ledninger - men der er flere dystre klassikere i hans arbejde, og det er sjældent at finde en af ​​hans film, der ikke er værd at se i nogen grad.



Noget af en uklar mistet klassiker fra instruktøren, den to-delte tv-delede sci-fi-film “World On A Wire, ”Frigives i øjeblikket i teatre rundt omkring i USA (læs vores anmeldelse her, og tjek det officielle websted for at se, hvornår det spiller i nærheden af ​​dig), og vi troede, at vi ville bruge det som en undskyldning for at kaste et øje over Fassbinders tilbage katalog. Det er en skræmmende samling - vi er ikke sikre på, at nogen på personalet har set mere end 45% af hans film - men vi har fået en anstændig spredning mellem os, og for alle, der endnu ikke har opdaget denne fascinerende filmografi, håber vi, at du ” Jeg finder et godt sted at starte her. Tjek det efter springet.



“; Kærlighed er koldere end død ”; (1969)
Booed i Berlin, men nu bevis for ankomsten af ​​et virkelig talentfuldt individ, tilbyder Fassbinders debutfilm et personligt tag på gangstergenren i en fransk New Wave-palet. Thug Bruno (Ulli Lommel, der ville blive en Fassbinder regelmæssig) bliver involveret i en kriminalsyndikats plan om at dræbe bad-ass hallik Franz (god ol Rainer Werner i kødet), kun for at opstå et venskab mellem Franz og Bruno. Efter en vellykket operation beslutter teamet (komplet med prostituerede Joanna) at rane en bank, skønt tillid begynder at svæve og tingene ikke går som planlagt. Som en smash-kombination af 'Band of Outsiders' og 'Le Samurai' med et vagt strejf af Orson Welles's 'The Trial', 'Love is Colder Than Death' er en lidenskabelig filmskabelse, der sprænger fra et hoved fuld af kreative, grænsepressende ideer . Der bruges konstant selvsikker lange tag, den fjerde væg brydes uden en vildt, og lejlighedsvis belægger et æterisk, noget dissonant lydspor scenerne (endda en tur til købmanden føles himmelsk). Nogle afviser muligvis den meget tilsyneladende opførsel med lavt budget. den største skyldige er manglen på skudsår (POP, de dræbte falder til jorden). Imidlertid gør Fassbinder sin mangel på ridser arbejde: Hans figurer er så utroligt nihilistiske, at de muligvis ikke kunne forstå vægten af ​​deres handlinger. Ved at få synet af kulehuller og blod til at virke irrelevant, fokuserer instruktøren i stedet på dødens vægt - i en forbløffende tålmodig rækkefølge dræber Bruno en mand, og kameraet følger ham, mens han kæmper for at få kroppen ind i bilen, kører til en dump og fortsætter med at begrave kroppen. Toppet med en sans for humor (trioen trækker ud deres tyveri af solbriller bare for at skrue sammen med sælgeren; en våbenhandler arbejder ud af et skomagasin), “Love is Colder Than Death” er ikke perfekt, men det er slags første flick, der skulle inspirere til energi og optimisme i denne generations unge filmskabere … hvis de ikke allerede drukner i studielånegæld. [EN-]

“; Hvorfor kører Herr R. Amok? ”; (1970)
Menneskets enkleste træk (ikke med hensyn til substans, men i form af historiefortælling) forsøger 'Herr R.' at undersøge de omstændigheder, der kan (eller måske ikke) få en ekstremt gennemsnitlig person til at begå mord. Fassbinder undersøger titulærpersonens liv ned til den mest jordiske, minutlige detalje, fra at hjælpe sin søn med lektier til at udholde sine kammeraters stand-up rutine. Disse scener bliver endnu sværere at sluge under en post-screening (eller andet ur) -analyse, da Kurt Raabs udtryksevne giver mange kompleksiteter - det ville have været let at spille karakteren tom eller neutral, men den tjekkiske skuespiller lumber rundt og tager ind hvert øjeblik på en måde, der antyder, at hver irritation, respektløs og akavet øjeblik langsomt hoper sig op og muligvis er ved at bryde ham. Eller måske er de ikke det. Man kan helt sikkert diskutere virkningen af ​​en given scene og diskutere, om den på egen hånd vender på kontakten; men man kan altid også se på den anden side af mønten og argumentere for uskyld. Den måde, filmskaberen lægger den komplicerede vold på uden at give nogen konkrete svar, giver proceduren både en psykologisk respekt og en næsten uforklarlig rædsel - Fassbinder ved, at mennesker er meget for komplicerede til forenklede og reduktive mærker. Hans tilgang er lokkende; faktisk gjorde Michael Haneke sit brød-og-smør ud af det, og en mere moderne overtagelse af denne langsombrændende observation kan ses i Cristi Puius 'Aurora.' Det er ganske vist en smule tålmodighedstestere, men der er noget unægteligt forbløffende om det. Det er værd at bemærke, at forfatterskabet til denne er noget kontroversielt: Hanna Schygulla, en af ​​Fassbinders foretrukne skuespillere, hævder, at co-instruktør Michael Fengler stort set var ansvarlig for filmen. [B +]

“Den amerikanske soldat” (1970)
Hans tredje indsats med lang længde (‘ Hvorfor kørte Herr R. Run Amok ’; var en co-directorial indsats), og hans anden gjorde det år, hvis du er vant til Sirk-ian melodramas fra Fassbinder ’; s midtsektion karriere, den franske New Wave-ish “; Den amerikanske soldat, ”; stikker ud som en skinnende anomali; et stilfuldt, noir-forbrydelsesbillede, der føles som om det kunne have været lavet af Jean-Luc Godard (men det er faktisk den tredje i hans tidlige gangster-trilogi.) Næsten. Ved hjælp af gangster tropes til at udtrykke frustrationerne over kærlighed - og faktisk den eponyme titulære hit mand spillet af velkendte og softspoken Fassbinder skuespiller Karl Scheydt ser ud til at tilbringe megen tid i sengen nøgen med kvinder, dog uden at føle noget sandt ildsted - billedet ligner en Raoul Walsh-fremstillet gangsterbillede, men føles mere eksistentielt i humør og tenor (den nærmeste sammenligning kan være Godard ’; s “;Alphaville,”; men det er ikke lige så underligt). Handlingen centrerer om Scheydt, en urolig amerikansk ryg fra Vietnam, der er hyret til at spille snigmorder af staten og udslette Münchens underverden. Han gør netop det, men løber så ind i problemer, når tre politimænd ansætter ham for at slå deres egne modstandere ud, men planlægger et dobbeltkors. Plot betyder næppe noget i dette billede, hvor Fassbinder spiller en lille rolle som en samarbejdende bøje; det ’; s unikt Fassbinder: et genrebillede anvendt som en maske til noget meget mere uovervejelig. [B]

“; Pas på en hellig hore ”; (1971)
Den gode ol-film om filmskabelse. Nogle af vores bedste forfattere har dybt ind i denne undergenre; ligesom Francois Truffaut, Woody Allen, Olivier Assayas og Federico Fellini har alle bidraget til at vise de ofte latterlige øjeblikke, der opstår bag kameraet. Det er let at se, hvor disse professionelle så sådant modent materiale - brug mediet til at dekryptere dets iboende kaos - men det er sværere at se, hvorfor vi som publikum i sidste ende skal passe på. Skudt, da instruktøren var 25 og baseret på personlige oplevelser havde under produktionen af ​​”Whity”, lider den utroligt titlede ”Pas på en hellig hore” af de samme mangler, som de fleste af disse film gør (med den sandsynligvis enstemmige undtagelse er ” 8 1/2 ”; den anden undtagelse kommer sandsynligvis fra den instruktør, du er specielt varm for). Handlingen drejer sig om et besætning, der ledet af en vaklende filmregissør (Lou Castel, der også optræder i ”Irma Vep”) og en ticked off-producent (spillet af en vred Fassbinder), har problemer med at samle sig for at blokere en enkelt scene. Penge falder, spændinger stiger, egoer bliver mærket - altid ingredienserne til et solidt drama. Som instruktør Fassbinder spiller ting langsomt i starten, så når nedstigningen til frustration begynder, kommer scener og går meget mere panisk. Det er ikke uden dets øjeblikke (som f.eks. Åbningsmonologen om, at Goofy bliver en mislykket børnehagelærer), men der er noget uundgåeligt bølgende ved det hele. Måske er det det faktum, at vi allerede kender alle disse rædsler; eller muligvis er det, at Fellini's opus udelukket, at de alle rejser ad en lignende vej til den samme konklusion. For ”inden i baseball”? For “blink-winky” til filmskabere? Svært at sige, nøjagtigt. Filmskaberens skildring af sig selv, bedømt ud fra rapporter om hans personlige liv og opførsel, synes at være spot-on, og det er bestemt værd at se ham på hans råeste. Medmindre du er fanatiker, kan du dog synes, at resten af ​​sagen er en smule unilluminating. [C +]

'De bitre tårer fra Petra Von Kant'(1972)
Udtrykket melodrama er kommet til at have negative konnotationer: over-spillet, over-ægget følelser, med lidt subtilitet eller undertekst. Men som Darren Aronofsky beviste sidste år med 'Black Swan', hvis du ikke har noget imod at gå i fuld gas med dit drama, kan du virkelig opnå noget specielt, og Fassbinder dræber det i 'The Bitter Tears of Petra Von Kant.' Baseret på hans spil det foregående år, som ifølge Jonathan Rosenbaum selv var stærkt selvbiografisk (en sløret version af det trekantede forhold mellem instruktøren, hans sorte bayerske elsker Günther Kaufmann og hans assistent / komponist Peer Raben), filmen følger den titulære modedesigner (Margit Cartensen), da hun forelsker sig dybt i den smukke Karin (Hanna Schygulla), mens hun plager hendes hengivne assistent Marlene (Irm Hermann). Det er ubeskadiget campy (dens oversættelse fra 2005 til opera var uundgåelig) og nikkede til Fassbinders elskede Douglas Sirk (helmeren besøgte endda veteranregissøren i sit hjem i Schweiz på et tidspunkt) og 'All About Eve' (filmens instruktør Joseph Mankiewicz får en navnekontrol på et tidspunkt), men det er også meget citerbart og helt grebende. Dels takket være DoP Michael Ballhaus (som ville fortsætte med at skyde “The Last Temptation of Christ”, “Goodfellas” og “The Departed” for Scorsese, blandt mange andre Hollywood-projekter), det fungerer, hvor så mange teatertilpasninger mislykkes: snarere end stagy, det føles næsten umuligt klaustrofobisk, da figurernes bitre, ubesvarede kærlighedsforhold fælder dem i lejligheden, som kameraet aldrig forlader. Handlingen er også forbløffende, især Fassbinder favoritter Cartensen, fuldstændig frygtløs, og Hermann, der stjæler showet i en næsten lydløs forestilling. Den seksuelle politik er muligvis problematisk for nogle, men der er ingen tvivl om, at det var tæt på instruktørens hjerte, og ingen overraskelse, at det blev en af ​​hans første film, der brød ud for et internationalt publikum. [EN-]

“Ali: Fear Eats the Soul” (1974)
Fassbinder mødte Douglas Sirk på München Film Museum i 1971, hvor han også så seks af sine film. Denne oplevelse ville ændre den måde, Fassbinder så og lavede film på. Sirk's “; Alt, hvad himlen tillader ”; gav inspiration til “; Ali: Fear Eats the Soul, ”; som i dag forbliver Fassbinder mest berømte film (ikke berygtet for en gangs skyld), som fortsatte med at inspirere Todd Haynes ’; “; Far From Heaven. ”; Ingen Fassbinder-film formidler sit budskab om hverdagens sociale ondskab så veltalende som “; Ali: Fear Eats the Soul. ”; Den grundlæggende forudsætning er enkel: middelaldrende tysk enke, Emmi, mødes tilfældigt, og ganske kort efter gifter han sig med Ali, en arabisk mand, hun møder i en bar efter at have taget ly mod regnen. Den første halvdel af filmen fokuserer på, hvordan Emmys familie, naboer og arbejdskammerater håndterer sin anden mand og farven på hans hud, negativt først og derefter skiftes mod accept. Den anden omhandler mere Ali's reaktion på deres pludselige accept, som bringer sit eget sæt af kompromiser for ham, og konflikter med Emmi, der først var skjult af deres gensidige solidaritet mod racisme, dukker også op. Fassbinder, aldrig en til konkrete konklusioner eller lette svar efterlader os med en bittersød, der slutter med, at elskere genforenes, men de problemer, der delte dem uløste. [EN]

'Martha'(1974)
Et andet Sirk-ian drama om hjemlig ulykke - hovedpersonen udgiver endda 'Douglas Sirk Road' som hendes adresse på et tidspunkt - ligesom mange Fassbinder-melodramas, placerer 'Martha' den titulære kvindelige naiv i en situation med følelsesmæssig nød og derefter gør os se, hvirvlende hjælpeløst, mens hun bliver igennem eskalerende kriser og disabused, praktisk talt brutaliseret, af alle romantiske forestillinger. En film, der kunne have været sarkastisk med titlen 'Den gode kone', melodramaen er centreret om Martha (Margit Carstensen) der går fra den ene dårlige situation til den anden og uden tvivl kan kaldes en dyster undersøgelse i både grusomhed og kapacitet til menneskelig underkastelse. Mens hun er på ferie med hende i Italien, dør Martha ’; s kontrollerende far pludselig af et hjerteanfald, og hun bliver tvunget til at vende hjem til Tyskland og tage sig af hendes mor: en alkoholisk spinster og et grotesk, oprørende menneske på alle niveauer, der forsøger selvmord ved pille overdosering når som helst Martha forsøger at gøre noget imod hendes ønsker. Befrielse kommer tilsyneladende i form af Helmut (‘ 70'erne Fassbinder regelmæssig Karlheinz Böhm får en saftig blyrunde), en smuk og velhavende herre, der vil gifte sig med hende og piske hende væk. Det hele lyder godt og godt, indtil Helmut afslører sine rigtige farver som en sadistisk, dominerende sociopat. Vi har set denne historie utallige gange i Hollywood - generelt B-thrillere med hovedrollen Tom Berenger eller Patrick Bergin - men Fassbinder ’; s 16 mm TV-film er ikke et stykke af underholdning om aftenen; det er en straffende øvelse, da Martha fortsat psykologisk blør i hænderne på hendes voldelige, tyranniske røvhul af en mand. Til sidst forvandles hendes ydmygende kapitulation til paranoia og derefter nær forringelse, der ender tragisk. Det er ikke altid nemt at se, men det er en skærende kronik af hjemmemishandling gennem Fassbinder 's egen forstærkede overtagelse af Hollywood & 50s melodrama. [B]

game of thrones 7 afsnit 4

“; Fox og hans venner ”; (1975)
Selvom det er kendt som et hyperproduktivt multi-bindestreg, er det let at glemme, at Fassbinder også lejlighedsvis var en skuespiller, der optrådte i mere end et halvt dusin af sine egne film (dog ofte bare i små, ikke-godkendte dele). I “; Fox og hans venner, ”; forfatteren / instruktøren påtog sig en sjælden hovedrolle og faldt så meget vægt som muligt for at spille den magre og alvorlige, uuddannede og arbejderklasse Franz “; Fox ”; Bieberkopf (naturligvis opkaldt for hovedpersonen i 'Berlin Alexanderplatz', som Fassbinder senere ville tilpasse - se nedenfor). Efter at have lige været vidne til hans mandlige elsker blive smidt i fængsel for skatteunddragelse og derfor mister sit cirkustop, mener Bieberkopf, at hans held er vendt og ved hjælp af en ældre homoseksuel kendskab løber for at købe lotto, der vil vende hans formue. Skæbne eller klarsyn er på hans side, og Fox vinder cirka ækvivalenter på $ 350.000 amerikanske dollars. Men når han kommer ind i store penge, finder han sig pludselig holde selskab med velhavende homoseksuelle snobber i overklassen. Han tilslutter sig snart den skruppelløse Eugen (Peter Chatel), en prissig, uhyggelig og hyperkritisk søn af en velhavende industrimand, der falder sin kæreste som en dårlig vane, når den kontante flush Fox ruller ind i sin cirkel af “; venner. ” ; Den inerudite ræve, der hurtigt introduceres til en poleret verden af ​​rigdom og påvirkninger, er både i over hans hoved og bedrøvet af Eugen ’; s overdådige miljø. Da Fox er så ivrig efter at behage, og Eugen så villig til at acceptere sin nyvundne rigdom, begynder flukten hurtigt. Skudt på Fassbinder & ss traditionelt arbejdsmæssig måde, tempo og redundans er et spørgsmål, da instruktøren bruger to timer (hvilket føles som 2 ½), der minder publikum om, hvor naiv Fox er, og hvor dårligt Eugen udnytter ham. Et drama, der siger grådighed og bedrag er uden tvivl ikke umoralsk opførsel eksklusivt for heteroseksuelle, det ironisk betegnede “; Fox And His Friends, ”; har sine førnævnte problemer, men er stadig et skarpt og i sidste ende tragisk blik på, hvordan penge deler sig. [B]

“; Frygt for frygt ”; (1975)
Medvirkende i Fassbinder-troppen-regelmæssig Margit Carstensen, også stjernen i “De bitre tårer fra Petra Von Kant”Og“Martha, ”Dette skabt-til-tv-psykologiske drama centrerer om en husmor i arbejderklassen, der begynder at komme med symptomerne på nogle psykiske sygdomme, der ligner skizofreni. Efterhånden som hendes lidelse (og frygt) vokser - sygdomsindtræden medfører sandsynligvis panik hos ethvert menneske - hendes omsorgsfulde, men i sidste ende viser sig ineffektiv mand at være ubrugelig, og hendes grænseoverskridende misbrugte stedsfamilie gør lidt mere end at pege fingre på hende “; mærkelig ”; opførsel. For at gøre det værre, bliver hun derefter fulgt af en anden psykisk syg mand i sit nabolag (den uhyggelige Kurt Raab, der medvirkede i 31 af Fassbinder ’; s billeder), der ser ud til at have en slags psykisk forbindelse til hende: han forstår unødigt, at hun langsomt bliver gal. Hjælpeløs henvender hun sig til alkohol, valium og en pervær læge (Adrian Hoven) villig til at udfylde hendes recept, hvis du får vores drift, og den fattige kvinde glider hurtigt til fuldstændig afhængighed - alt, hvad der kan sænke den smertefulde kendskab til at falde ned i sindssygdom. Klart fremstillet til TV med sin episodiske fortælling og uklare åbning, mens “; frygt for frygt ”; truer med at blive en efterskolespecial over farerne ved husmødre med psykologiske problemer, i sidste ende stiller tv-filmen sammen og bliver et ganske slående blik på smerte, ligegyldighed og svindel. [B]

“;Moder Küsters 'tur til himlen”; (1975)
Når en stille og beskedent far går post på sin kemiske fabrik - myrder en mand og begår selvmord, når massiv afskedigelse væver, - bliver en blid tysk familie revet og ødelagt af nyhederne. Forværring af emner er et invasivt tabloid medie, der faldt ned som så mange galne gribbe, der udnytter den ødelagte familie for alt, hvad de er værd, både i kontekstforvrængende citater og manipulerende fotoopps. Sagerne forværres med tilbagevenden af ​​Corrina, familiens skæve datter (Ingrid Caven) der skamløst bruger tragedien til at fremme sin sangkarriere ved at sove hos en af ​​journalisterne, der dækker historien. En af Fassbinders mere politisk ladede bestræbelser, den anden side af den ulykkelige udnyttelse kommer fra det kommunistiske parti, der er maskeret som en venlig, velvillig styrke i det ensomme matriark ’ s liv, men bare ved hjælp af familiekatastrofen af ​​hendes “undertrykte proletariat mand” for deres egen dagsorden. Filmen har to afslutninger; den ene er dristig og tragisk (detaljeret af Mother Kuster ’; s død, da hun falder ind med en gruppe anarkister i tekst over en fryseramme af sit ulykkelige ansigt), og den anden (den amerikanske version) kroniserer skæbne og nytteløshed (anarkisterne giver op deres sit-in for at forsvare hendes mand ’; s smøring i tabloiderne, men hun møder en ældre herre, der antyder en gnist af håb). Med mange Fassbinder-regulære inklusive kvindelige stalwarts Margit Carstensen, Irm Hermannn (19 Fassbinder-film til hendes æren) og det altid vidunderlige Brigitte Mira (stjernen i ‘ Ali: Fear Eats The Soul ’;) som den navngivne mor, Fassbinder ’; s sardonisk mørke drama fungerer som en skændende kritik af selvbetjenende opportunister i hver stribe og af det blodtørstige medier, mens man spørger sig om en følelse af anstændighed eller skam findes i dagens samfund. [B +]

'Jeg vil kun have dig til at elske mig'(1976)
Optaget til fjernsyn og iført mærket af begrænsede midler og omfang, Fassbinder &docs; docudrama centreret på en mand ’; s søgning efter godkendelse er ikke mindre effektiv end noget af hans stærkeste arbejde. Peter er en ung mand, der er desperat efter at sørge for sin kone og barn, mens han også lever op til forventningerne fra sine forældre, men i en jævn stribe af grusom ironi fortsætter lykken med at forlade sin side, da stigende gæld og uendelige favoriserer placerer ham i det ene hul efter det andet. Gennem det hele gentager Peter titelmantraet, som en måde at komme igennem dagen på, snart glemt over, hvem han ’; s faktisk taler. Den følsomme balance i Peter ’; s hverdag løber naturligvis gennem en spiral af dårlige beslutninger, der viser sig at være dødelige, alt sammen ligger i et indretningsindretningsapparat, der sætter en sort humoristisk hætte på hans egen eksistens. Selvom Fassbinder er afstemt fra sit sædvanlige arbejde, arbejder han på velkendt territorium, og listen over indigniteter giver mulighed for, at flere dystre, iøjnefaldende tabluer kan fanges på film i tjeneste for en historie om en mand, der simpelthen aldrig kan finde godkendelse . [EN-]

'I et år på 13 måner”(1978) - MZ
Fassbinder må have elsket Armin Meier meget, fordi få instruktører ville tørre at lave en film, der koger ned til personlig eksorcisme. Et år med 13 måner stavebesvær for hovedpersonen Elvira (Volker Spengler), hvor vejen snubler for at genforenes med Anton Saitz (Gottfried John). Anton finansierede Elviras kønskifte (hun var engang en slagter ved navn Erwin, en forsætlig tilbagekald til Meier-erhvervet), men ønsker ikke at acceptere den nykomne kvinde som noget andet end Erwin. “; I et år på 13 måner ”; er en udholdenhedstest med flere fremtrædende sekvenser, et sæt i et slagteri og et andet en ude af venstre feltdansekvens. Spengler er også overbevisende og udtrykker Elviras personlige skærsild, hvor hun bliver accepteret af ingen af ​​de mennesker, hun ønsker, og ikke finder nogen fred fra hendes kampe, bare strid og had. Uanset hvilke følelser Fassbinder havde blandet sig med sin sorg efter Meiers selvmord, er de indlejret i denne film, bemærkelsesværdig for instruktørens fortsatte mestring over kameraplacering og måske en over-afhængighed af allegori. Som de bedste Fassbinder-film, belønner denne den tålmodige seer og har samlet en ganske kærlig kult 30 plus år efter dens start. [B]

“; Ægteskabet med Maria Braun ”; (1979)
Den første i Fassbinder & BRs (Bundesrepublik Deutschland) Trilogy, der beskæftiger sig med tre forskellige kvinder, der gør sig gældende i et Tyskland efter 2. verdenskrig, og manuskriptet gik gennem flere hænder og udkast fra Fassbinders originale urealiserede tv-projekt 'Ægteskabet med vores forældre' . Fassbinder arbejdede allerede med manuskriptet til det episke ”Berlin Alexanderplatz”, da skyderiet begyndte på ”Ægteskabet med Maria Braun”, og han fortsatte med at skyde i løbet af dagen og arbejde hele natten med manuskriptet til sit næste projekt. Rygter siger at opretholde denne arbejdsplan Fassbinder spiste store mængder kokain, og dette var den vigtigste grund til, at filmen gik over budgettet - Fassbinder & ss største, men stadig under en million USD. Naturligvis forårsagede dette problemer med hans finansfolk, producenter og besætning, hvilket forårsagede skævheder i mange af hans langsigtede kreative partnerskaber, herunder dem med kinematograf Michael Ballhaus og producent Michael Fengler. At gøre “; Ægteskabet med Maria Braun ”; var sandsynligvis ikke den største periode i Fassbinder ’; s liv, men filmen viste sig at være en af ​​hans mest succesrige og opfyldte sit ønske om at gøre en tysk ækvivalent til en Hollywood-film. Med hovedrollen i Hanna Schygulla som Maria (hun vandt Sølvbjørnen for bedste skuespillerinde i 1979), en kvinde, hvis forhold til hendes mand, Hermann konstant er blevet afværget af omstændigheder - eller rettere ønsket, stolthed og grådighed, som uundgåeligt fører til vold, grusomhed og ødelæggelse. Fassbinder maler et billede af et umætteligt og uforglemmeligt Tyskland, dets indbyggere (de overlevende) er beskadigede varer, både moralsk og følelsesmæssigt fordrejet fra deres oplevelser. Som enhver god Hollywood-film ender det med en stor eksplosion - ligesom enhver god Fassbinder-film er betydningen og motiverne bag den åbne. [EN]

“Berlin Alexanderplatz” (1980)
Ja, vi har set det. Ja, det hele. Ja, det er glacialt langsomt nogle steder og ganske vist hårdt arbejde. Og ja, det er absolut værd at gøre på et tidspunkt i dit liv. Fassbinders 14-delede, 930 minutters lavet-til-tv (men teatralsk udgivet i USA) -epos har et frygteligt ry, helt fortjent (især den uigennemtrængelige, velegnet strålende, lejlighedsvis iøjnefaldende epilog), mest fordi den uden tvivl er så tæt på en roman som biograf nogensinde er blevet. En lige oversættelse af plottet ville have været langt kortere, men Fassbinder, en heftig fan af kildematerialet fra 1929 (af Alfred Doblin), fortryder og dvæler, strækker og gentager små, intime øjeblikke med varemærke lange, ubrudte tager i en måde, der langsomt bringer dig ind i psyken hos hovedpersonen Franz Biberkopf (en forbløffende forestilling af Gunter Lampretcht), og faktisk en psyke af en nation i uro (eftertænksomhed giver naturligvis Fassbinder tilladelse til at bruge Biberkopf som en metafor for Tyskland mellem krigene, hvilket tilføjer op til uden tvivl en af ​​hans mest politiske film. Og det føles selvfølgelig altid som en Fassbinder-film, især i hans forvirring med hans heltens forhold til Reinhold (Gottfried John), der får alle slags homo-erotiske undertoner fraværende i romanen. Mere end noget andet er det imidlertid en tragedie; en ex-domfældt, desperat efter at gå lige, kan bare ikke undslippe. En gammel historie, for at være sikker, men en, der aldrig er blevet fortalt med så mange detaljer. mazing øjeblikke igennem og forfærdelige øjeblikke, ikke mere end i den epilog, der ser Fassbinder i det væsentlige dekonstruere (hjulpet af Lou Reed og Kraftwerk spor) de tretten timer, du lige har siddet igennem. Det er både irriterende og berusende og en passende capper til hele den enorme saga. Arkiver den med 'Krig og fred' og 'Infinite Jest' som noget at indhente under en lang ferie eller fængselsstraf: Du vil bestemt ikke fortryde det. [B]

'Lili Marleen' (1981)
Uovervindeligheden af ​​sociale barrierer og krigen mellem privat lyst og offentligt image er hæfteklammer fra den sirkiske melodrama, Fassbinder, der blev emuleret gennem sin sidstnævnte karriere. Så som baggrund blev Nazi-Tyskland en undertrykkende totalitær stat, hvor private liv ofte blev fortabt for den politiske maskine, og racemæssige, køns- og nationale barrierer blev ikke bare forstærket, men kodificeres til en etos, der gennemsyrede ethvert aspekt af livet, skal repræsentere en slags melodrama jackpot. Mærkeligt, at 'Lili Marleen,' en fortælling fra den anden verdenskrig om den forbudte kærlighed mellem en tysk natklubsanger og en schweizisk jødisk dirigent, skulle ende med en så uforstyrrende affære: stykkerne er alle der, og det følelsesmæssige register på skærmen spænder fra toppen af ​​ekstase til dybden af ​​selvmordsfortvivlelse, som man kunne forvente, og alligevel føler vi aldrig meget af noget overhovedet. Fassbinder regelmæssige Hanna Schygullas præstationer som den centrale Willi er en del af problemet, der kommer ud som underligt schizoide - hendes reaktioner, selv om de passer passende, er ofte upassende til det uforståelige. Og uden den slags tragiske empati, som de store heroiner i denne genre formår at skabe, er det svært at passe på den pragmatiske, selvoptagne, narsissistiske Willi (vi er ikke engang sikre på, at hun ville være moralsk imod nazismen, hvis det ikke gjorde det ') t holder hende fra sin kæreste) især når det, der gør hende berømt, er hendes temmelig underholdende gengivelse af titelsangen. Filmen er ikke rigtig præcis, dens frodige kostumerende og duggende blødfokusfotografering ramte mærket, og der er øjeblikke af pludselig, underlig surrealitet (den berusede rækkefølge i det luksuriøse hvide hus, en uniformeret nazist, der ankommer på scenen via en dias) der frigør tingene umådeligt. Men der er også tidspunkter, hvor disse eksperimentelle fora ikke lønner sig (den uendelige tilbagevendte scene, hvor Willis elsker bliver tortureret med ufuldstændige snatches af sangen uendeligt gentagne, lægger utilsigtet ironi på toppen af ​​forsætlig, da vi, publikum, beder for at den forbandede ting også stopper) og i sidste ende kan intet distrahere fra tomheden i filmens hjerte. Det er her, en rigtig kvinde, eller i det mindste melodramas overdrevne version af en rigtig kvinde, og en, vi kan pleje og blive involveret i, skal være. [B-]

'Lola' (1981)
Fassbinders fetish for udsøgt iscenesat Sirk-ian melodrama, en besættelse i det mindste en del af sin karriere, er veldokumenteret, så hvis man vil se det billede, der sandsynligvis samledes Fassbinder mest (og sandsynligvis også var en indflydelse på Todd Haynes‘Lignende Sirk-fortællinger), det er den frodige, candyfarvede og overdådige” Lola. ”En anden BRD-trilogifilm, der blev sat i efter 2. verdenskrig, Vesttyskland, filmstjernerne Barbara Sukowa og det store Armin Mueller stål ( 'Nat på Jorden, ''Østlige løfter“) Og centrerer om en from bygningskommissær, der ønsker at udrydde korruptionen, der finder sted inden for den lokale byggeri-virksomheds (Mario Adorf). Efterhånden som han indsamler bevis mod sit bytte, mødes den lige pil-mand derefter og forelsket i sidste ende i titlen Lola (Sukowa). Derfor chokeret han ’; at hun lærte, at hun er en prostitueret og kabarettsanger i en lokal bordel. Ikke kun det, hun ’; s leget af Schukert, den skæve konstruktionsmagnat, han ’; s forsøger at vælte. Mens han nu besidder al den ammunition, han har brug for, undlader Mueller-Stahls Von Bohm at forene sin retfærdige pligt med sin begjær for den hentende kvinde, i stedet for at blive bytte for forførelse og snart til fristelser fra penge og magt. I Fassbinder ’; s absorberende moralfortælling, ser vi en ærefuld mand blive den meget svage ting, han forsøgte at kæmpe imod. Et mørkt, men alligevel subtilt satirisk nikk til kapitalismens overbevisende charme, som sædvanligvis føler Fassbinder ikke noget behov for at understrege eller understrege det åbenlyse, vi ser dette smukt skud falde fra nåde og enhver dom er vores egen. [EN]

'Veronika Voss' (1982)
Løst baseret på den sande historie om Sybille Schmitz, en tidligere nazistjern, hvis stjerne falmede efter, at Det tredje rige blev smuldret - hun begik selvmord som en ensom gammel relik, som nationen hellere snart vil glemme - den fængslende og frodige “;Veronika Voss, ”; er Fassbinder på højden af ​​sine kræfter og desværre er det hans næstsidste film. Det er hans “;Sunset Boulevard”; og “;Citizen Kane, ”; bogstaveligt og billedligt, idet begge film ligner det stilfulde, sort-hvide billede med høj kontrast, der viser tydelige spor af den overdådige Hollywood-filmskabelse i 1950'erne. På en mørk, regn gennemvædet aften, den ubalancerede og melodramatiske Voss (Rosel Zech) mødes og bliver ven med en empatisk sportsforfatter (Hilmar Thate) der interesserer sig for sin faded-glory-historie. Den velmenende forfatter opdager snart den uberegnelige og ofte desperate tidligere stjerne er forsynet med en skruppelløs “; Dr. Feelgood ”; -lignende læge (Annemarie Düringer), som herrer over hende - brændstof hendes usikkerhed med en kontroldosis af opiater, men kun hvis hun kan pony de ublu omkostninger. I mellemtiden risikerer den selvopofrende forfatter sit eget forhold til at redde den aldrende opfindelse, men til ingen nytte. Efter at have længe søgt anerkendelse i Tyskland - foragtede provinsielle medier generelt hans altid citerbare “; enfante forfærdelige ”; mien - Fassbinder fik endelig hjemmelavet kærlighed, da dette billede med rette vandt Guldbjørnen på den 32. Berlin International Film Festival. [EN]

Og resten: Tre shorts gik foran ”kærlighed er koldere end død”; ”Denne nat”, som er tabt, ”Byens trampe” og ”Det lille kaos.” Det blev derefter fulgt af ”Katzelmacher,” som groft oversætter som ”Cock Artist” - ikke, som titlen antyder, om Warren Beatty, men en tilpasning af Fassbinders skuespil om en græsk immigrant (spillet af filmskaberen selv). 1970 bragte 'Gods of the Plague' og 'The Coffee House' (sidstnævnte kun en TV-optagelse af hans produktion af Carlo Goldonis skuespil), mens året blev toppet med 'The Niklashausen Journey', co-instrueret med 'Herr R . ”samarbejdspartner Michael Fengler.

Det blev hurtigt fulgt af “Rio Das Mortes” og “Pionerer i Ingolstadt”, begge lavet til tv, mens “Whity” er en af ​​de bedst betragtede film, som vi ikke fik se. 'The Merchant of Four Seasons' fulgte 'Holy Whore' og ses som en af ​​instruktørens allerbedste, selvom det gled mellem revnerne for os. 1972 havde endnu en teater-til-tv-oversættelse, 'Bremen Freedom', den 5-delte tv-serie 'Eight Hours Are Not A Day', mens 1973 bragte 'Wild Game' (baseret på Kroetz-stykket), og den førnævnte 'World on a Wire, ”som vi dækkede detaljeret i sidste uge. Det blev efterfulgt af 'Nora Helmer', en version af Ibsens 'Et dukkehjem' til TV.

Den sort-hvide “Effi Briest” er en anden stor enhed, som vi ikke havde tid til at dække, mens 1975 bragte den korte “Like A Bird on a Wire” (uden forbindelse til Goldie Hawn-køretøjet, overraskende…). 1976 gav os 'Satan's Brew' og 'Chinese Roulette', mens 1977 havde 'Women in New York' og 'The Stationmaster's Wife', begge lavede til tv, mens han instruerede et segment af omnibussen 'Germany in Autumn' året efter .

'Fortvivlelse' var hans nærmeste flirt med mainstream, hvor han tilpassede en Nabokov-roman med et Tom Stoppard-script (på engelsk, ikke mindre), med hovedrollen i Dirk Bogarde, mens 1979 bragte 'Den tredje generation' en terrorismesorte komedie med Eddie Constantine, stjerne i ”Alphaville.” Endelig foretog han sin eneste indsats i dokumentarfilm med 1981's 'Theatre in Trance' og afsluttede sin karriere med 1982's 'Querelle', en anden engelsksproget film, baseret på Jean Genets roman og med hovedrollen i Franco Nero, Jeanne Moreau og “Midnight Express” leder Brad Davis.

- Rodrigo Perez, Christopher Bell, Sam Chater, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Oliver Lyttelton



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse