Det væsentlige: De 10 største John Ford-film

Der er få figurer i biografhistorien (måske kun C.B. DeMille er en troværdig udfordrer) der er kommet til at definere filmregissørens populære opfattelse så fuldstændigt som John Ford. Den berygtede uklarhedlige eyepatch-sportslige monolit, der i det væsentlige skabte filmen Western, som vi kender den, og lavede John Wayne det ultimative ikon for det amerikanske maskulinitet fra det tyvende århundrede undervejs, er lige så centralt i Hollywoods historiske landskab som sandstenbotterne til synspunktet i hans elskede Monument Valley. Så i lyset af Museum for bevægelsesbillede i New York, der kører et retrospektivt af sine film, har vi brugt det som vores forfaldne signal til at kigge gennem denne enorme filmografi.



Det er en uundgåelig opgave: Fords katalog er næsten 150 film langt, og selvom mange nu er tabt (meget få af hans tidlige tavshed er stadig i omløb), betyder det frenetiske tempo i sit arbejde i hans mest produktive år at isolere bare 10 film er skræmmende. Det er delvis ned til de uundgåelige spørgsmål, som enhver moderne undersøgelse af Ford rejser: om arten af ​​hans egen politik, om gyldigheden af ​​visionen om det gamle vest, som han mytologiserede, og om den tilbagevirkende kritik af hans oeuvre med hensyn til køn og race. Men selv i de mest opvarmede debatter kan Fords dygtighed som filmskaber simpelthen ikke nægtes, ikke engang af hans hårdeste krænkere. Uanset om han var en god mand eller ej, var han en virkelig stor instruktør; her er de 10 film, vi føler os mest overbevisende præsenterer den sag.

“Informeren” (1935)
Der er tidløse klassikere i Fords CV, og der er også titler, der føler deres alder. I modsætning til, siger, 'Liberty Valance, 'Er det svært at se “Informeren” med et moderne øje og ikke se overspillet sentimentalitet, hvor moderne korrekturlæsere så “følsomhed” og mærke dens tematiske tunghåndhed igennem. Men vi vil påstå, at det stadig er centralt for en forståelse af Fords oeuvre - holdninger kan have ændret sig siden filmens premiere, men uden for den tvivlsomme politik og øgede skuespil tilbyder filmen stadig mange rigdomme. En tilpasning af romanen af ​​Irishman Liam O’Flaherty, efter sigende en fætter til Fords, var historien allerede gjort til en film i 1929, lige under overgangen til lyd (den tidligere version er faktisk halvt stille og halvt snak). Men Fords film er en meget mere poleret affære, skudt i sødlig sort-hvidt og bruger arresterende kompositioner, der skylder den tyske ekspressionisme lige så meget som den klassiske Hollywood-tradition. Men det, der er mest slående i dag, er, hvor underligt un-kommerciel og atypisk en historie det er, og hvor beslutsomt modig en holdning det tager for at gøre informatøren om titlen - 'rotten', så at sige - den mest sympatiske karakter blandt en rogue's galleri med oprørere, prostituerede og politiske manipulatorer, der fisker med fordel. Meget af denne sympati skyldes skuespiller Victor McLaglen, der til trods for rollens bluster og teatralitet (ved filmens berømte konklusion griber han fast ved sit hjerte, råber i en ekstase af forløsning og falder død ved fødderne af en statue af Kristus - det er det ikke) investerer stadig den dødsdømte Gypo-karakter med en såret-dyrekvalitet, når han kæmper for at forstå arten af ​​sit eget forræderi. Den lunkne Gypo forråder selve koden for maskulinitet midt i konflikt, som Ford ville vende tilbage til tematisk gang på gang, og alligevel er det ham, vi føler for, og den afværgelse af hans enkle godhed, som filmen mest sørger over. McLaglen tjener sin bedste skuespiller Oscar i enhver ramme, med 'The Informer' også netting Ford den første af sine fire instruerende Oscars, sammen med bedste manuskript og bedste score.



“Stagecoach” (1939)
En milepæl, en definerende western, en karriereforstærkende titel for Ford og en stjerneskabende film for John Wayne - hvis 'Stagecoach' ikke er Fords mest komplekse eller udfordrende film, kan det meget vel være hans mest komplette. En 96 minutters lang filmskole, hvis du vælger at tage det på den måde (og blandt andre Orson Welles bestemt gjorde det, efter sigende at se det 40 gange i forberedelse til “Citizen Kane“), Det er simpelthen ujævn i møtrikker og bolte i dens konstruktion. Iscenesættelsen af ​​handlingen er klar og spændende, koreografien er vildledende smart - overvejer Ford kæmper ofte med et enkelt, lukket sted - og redigeringen er flydende og yndefuld, men også nådeløst engagerende: bortset fra alle de andre superlativer, er dette en film med perfekt tempo. Og inden for al denne tekniske ekspertise føles det som om ensembets rollebesætningen virkelig stiger til lejligheden - selvfølgelig skyldes det meget Dudley Nichols'Knitrende manuskript, men det er forbløffende at være vidne til sublimeringen af ​​så mange karakterarketyper fra Dallas, krogen med hjertet af guld (Claire Trevor, i den bedste kvindelige præstation, som Ford nogensinde er fremkaldt), til Ringo Kid, den uventet ædle onde fyr (Wayne) til den bedste af Fords mange berusede irske sidekick, Doc (Thomas Mitchell, der i øvrigt havde et helvede af et 1939, der også optrådte i 'Borte med vinden', 'Kun engle har vinger,' 'Mr. Smith tager til Washington' og 'The Hunchback of Notre Dame'). Det hjælpes af de egalitære tendenser fra manuskriptet, hvor hver af stagecoachs beboere får deres egen historie, endda den rejsende sælger i sin deerstalker (Donald Meek) og den upålidelige gambler (John Carradine) der har en pervers kode, der ser ham afvise Dallas, men prøver instinktivt at beskytte den 'respektable' gravide obers kone (Louise Platt). På en eller anden måde denne ensemblstilgang, såvel som at øge indsatsen, efterhånden som stagecoach uundgåeligt kommer under angreb fra indianere (Fords humanisme strækker sig ikke til dem), giver 'Stagecoach' en moderne kant - det føles næsten undergravende af den klassiske Hollywood-standard standard, hvor der er leads og understøttende karakterer, og aldrig skal tvangen mødes. Afstøbning af Wayne imod al råd er det element, der sikrer “Stagecoach” 's plads i biografhistorien, men som en komplet pakke, der indsamlede syv Oscar-nomineringer og to sejre, er det den sjældne salvede klassiker, der også er en ulegeret glæde at se på igen syv og et halvt årti efter frigivelsen.



“Vredens druer” (1940)
I betragtning af den enorme indflydelse, det havde på nationens udvikling, er der overraskende få film, der tager USAs store depression som deres åbenlyste emne - helt sikkert sammenlignet med for eksempel overflod af film, der detaljerede amerikansk engagement i 2. verdenskrig. Det skyldes i vid udstrækning historienes art: krigens sejr kan let kastes som en inspirerende historie om forståelige helte og skurke, hvor depressionen var en morass af elendighed og fornedrelse, som ingen eneste arkitekt kunne, filmisk set, sok i kæben. Men det kan også delvis skyldes, at Fords Oscar-vindende, monumentale ”Vredens druer” i lang tid blev betragtet som stort set det sidste ord om emnet. Det er et næsten uanstændigt smukt, men alligevel stilistisk realistisk billede (genial kinematograf Gregg Toland ville fortsætte med at skyde “Citizen Kane”Året efter - filmen, der kun gradvist kom til at erstatte 'vrede' som den kanoniske største film nogensinde er lavet), og det er ikke en ledig observation: det er nøglen til det, der får filmen til at bevæge sig flydende, hvilket tvinger os til at fortsætte med at se på trods af det uundgåelige nedadgående bane for hvad der trods alt er et portræt af menneskelig værdighed under uophørligt angreb. Men det kan også prale af en af Henry Fonda'Bedste forestillinger, for Ford eller enhver anden filmskaber, som den brudte, men idealistiske ex-con Tom Joad. Med Ford tilsyneladende ikke interesseret i at præsentere Joad-klanen som noget andet end en slags tåøjet idealisering af den fundamentalt anstændige amerikanske familie, der er forenet mod modgang, er det et lille mirakel, at Fondas præstation er så nuanceret og menneskelig som den er. Men hvis andre steder Ford's håndtag på hans figurer sommetider sprænger, så de bliver mindre levende individer end repræsentanter for hele klasser af mennesker, er det kun fordi han har større fisk at stege: måske kunne ingen andre amerikanske instruktører have fortalt denne historie på samme skala som John Steinbeck'S episke, kvasi-bibelske roman (skønt filmens afslutning adskiller sig væsentligt fra bogens tordensklafffinale). Den efterfølgende aftagelse af sit omdømme på grund af den åbenlyse socialisme af budskabet (ironisk at se som Ford ofte betragtes som fejlagtigt som den mest højreekse af instruktører) betyder, at det relativt set er set end mange af hans andre film. Men selv for dem af os, der er allergiske over for den form for teaterfortælling, som den undertiden bortfalder, er der en storartethed over for ”The Grapes of Wrath” i bredden af ​​dens ambition, hvilket stadig gør det til den endelige filmopfattelse af en af ​​USAs mest definerende epoker.

Rick and Morty sæson 3 epsiode 10

“De var Expendable” (1945)
Bortset fra dets faktiske indhold, som er et fascinerende verititisk look på små bådbesætninger fra 2. verdenskrig, der har til opgave at nedtage japanske fartøjer i Stillehavet omkring Filippinerne, indtager “They Were Expendable” et næsten unikt sted i annalerne fra filmhistorien, fordi af timing. Udviklet og hurtigt skudt på et tidspunkt, hvor krigen i Stillehavet bestemt ikke gik den amerikanske vej, udgivet i december 1945, på hvilket tidspunkt selvfølgelig krigen var forbi, med USA definitivt på den vindende side. Så med filmens tydelige fordianske temaer om adelens adel og heroism fra den (sandsynligvis dømte) almindelige servicemand, kom den tydeligt ude af trit med den generelle ophidselse af den umiddelbare efterkrigstid - det er på mange måder en elegance til en ædel tilbagetog, der godt kunne have været et berømt vendepunkt, havde krigen efterfølgende gået anderledes og havde begivenheder med det samme, for at bruge en smagløs ordspil, ikke sprængt den ud af vandet. Måske på nogle måder, der gør filmen endnu mere værdifuld et dokument - små båders rolle i stillehavsteatret er et aspekt af den amerikanske krig, der er lidt kendt. Men den historiske relativisme til side, 'Expendable' indtager stadig en fremtrædende slot i Fords pantheon til den film, den iboende er - sammenkobling af kornet realisme med en trio af stærke forestillinger fra Robert Montgomery, John Wayne og Donna Reed, det føles som et fremragende ægteskab med Fords klassiske impulser og hans dokumentariske instinkter ('Slaget ved Midway”At være det mest berømte, Oscar-vindende eksempel på de 87 ikke-fiktion, som fotografienheden på krigsfeltet lavede på Fords ur). Det er også et godt eksempel på Waynes personperson i krigstiden og det billeders modstridende natur: Han opnåede sin varige stjernestatus under krigen og kom til at personificere hverdagsheltningen af ​​den allamerikanske patriot, der serverede sit land på skærmen, men Wayne selv tjente aldrig . Faktisk fortæller historien, at Ford, berygtet for indstillede argumenter på grund af hans diktatoriske stil (han senere skulle kollidere med Henry Fonda, også på havet, under produktionen af ​​'Mister Roberts“) Havde en sjælden fald med Wayne over netop dette emne, og selv nu er det noget, der pegede på, at filmens kredittliste Fords og Montgomery's militære placeringer, hvorimod Waynes navn ser ud til at være ikke pyntet.

“My Darling Clementine” (1946)
Et halvt årti før ‘Liberty Valance’ og dets mest berømte citat, ville Ford selv “udskrive sagnet”: ja, det legendariske skudkamp på OK Corral blev først virkelig legendarisk efter hans film. Afviger vildt fra historisk kendsgerning (de kvindelige karakterer er enten helt fiktive eller amalgamer; Earps var aldrig cowboys; Old Man Clanton døde før shootout; Doc Holliday overlevede osv. Osv.), Filmen er stadig i dag den mest givende fortælling om dette ofte genfortalt fortælling, som Ford insisterede på, at han havde hørt fra første hånd Wyatt Earp sig selv, da Earp plejede at besøge cowboy-venner på sætene i deres film. Selv John Wayne krediterede en masse af sin inspiration for de advokatroller, han ville spille til samtaler med det virkelige liv Earp. Men fortællende, selvom Ford ville filme karakteren to gange, spillede han ingen gang Wayne - ”Cheyenne efterår”Har James Stewart i rollen, mens det i “My Darling Clementine” er Henry Fonda. Fonda har måske 'kun' optrådt i 7 af Fords film (sammenlignet med Waynes 24), men hvis Wayne er analog med Fords id - hans actionmands side, hans instinkt, hans almindelige mandighed - så var Fonda måske hans ego , og det er bestemt en betænksom, sjælsom, overvejet forestilling, han leverer her. Faktisk er det en af ​​filmens store styrker, at selvom den bygger op til et fantastisk klimaks og er en fungerende fortælling om vestlig hævn, er den også en detaljeret orienteret og overraskende lethjertet karakterundersøgelse såvel som en tidlig forløber for kompisfilm i den dynamiske udvikling mellem Earp og Doc Holliday (Victor Mature, i sin bedste rolle nogensinde). Ikke siden 'Stagecoach' havde Ford lavet en western, der så grundigt leverede på alle fronter: som et portræt af et grænsefællesskab, en romantik, en hævnfilm (med en strålende mod-type) Walter Brennan performance) og en actionfilm. På trods af at have optrådt på alle disse genreniveauer har 'Clementine' en unik lyrik, endda en stille til tider —Harp vuggende på sin stol på verandaen, Doc reciterer Hamlets ensidige. Der er et bredt strejf af sentimentalitet over for Ford, som krænkere er hurtige til at påpege, men 'My Darling Clementine' er det ultimative kontrapunktargument: hvis der er en linje, hvor varme og sødme overgår til manipulation og mawkishness, går Ford ikke bare det line, ligesom Earp i filmens kirkeopdragende scene, men kaster hatten af ​​og danse det.

“Fort Apache” (1948)
Den første og historisk sandsynligvis bedst af Fords 'Cavalry Trilogy', selvom den mangler den iøjnefaldende billedmønster af 'Hun bar et gult bånd“‘ S Technicolor eller før- “Den stille mand”Team af John Wayne og Maureen O'Hara i “Rio Grande, ”“ Fort Apache ”er en stram, kompleks og resonant vestlig, der holder vand som en lignelse til at slå sammen militære taktikker også i dag. Inden for Fords kanon er det især bemærkelsesværdigt for at legemliggøre de to sider af debatten i de to skuespillere, der var hans hyppigste stjerner: Wayne og Henry Fonda. Waynes populære kaptajn York repræsenterer den instinktive taktiker, der er afhængig af grundlæggende viden og personlig oplevelse for at informere sine beslutninger. Fonda spiller oberst torsdag, der får tildelt den forfremmelse, som mændene mener at være York's med rette, og som repræsenterer en stift intellektuel tilgang, hvorved strenge regler for militær adfærd og teoretisk strategi skal anvendes uanset de skiftende omstændigheder. Det er i det væsentlige en kamp mellem en slags dogmatisk hubris og en mere formbar militær pragmatisme, men Fords dygtighed og hans flydende, organiske filmskabende stil, kombineret med perfekt afstemte forestillinger fra begge hans regelmæssige førende mænd, lader aldrig denne film blive overdrevent læresæt. Tværtimod: ved at arbejde i en velkendt fordiansk generation af undergrupper om en yngre officer (John at) der falder for torsdagens datter (en 20-årig Shirley Temple i en glitrende vending), såvel som hans sædvanlige mistænkte opslag af bawdy-komisk lettelse, giver Ford sig selv masser af muligheder for at holde tempoet op og ikke lade vægten af ​​en enkelt del af historien overvælde filmens generelle momentum. Det er ikke til at sige, at han ikke vælger sider: hans, og derfor vores, sympati er tydeligt med Waynes York og selve slutningen, hvor York tilslutter sig den officielle version af torsdagens tåbelige og dødsdømte sidste offensiv som et klogt soldats modige offer, føles som en hilsen-formaning til os alle (før han laver en hel film om dette med 'The Man Who Shot Liberty Valance') til ikke altid at tage en legende til dens pålydende værdi. I denne tidsalder med spin og tilsløring synes denne konklusion at være klogere end nogensinde før; kombineret med et centralt dilemma, der har haft ekko i næsten enhver amerikansk konflikt, siden det fra Vietnam til Irak-krigen kan være, at 'Fort Apache' er Fords mest varigt relevante film.

“Hun bar et gult bånd” (1949)
Af alle de mange partnerskaber, der kendetegner Fords lange karriere, 'Hun bar et gult bånd,' mellemfilmen i hans såkaldte 'Cavalry-trilogi' ('Fort Apache' og 'Rio Grande”At være de andre), kan prale af toppen af ​​en mere esoterisk forbindelse: det er måske den største brug, der nogensinde er gjort af Ford of Monument Valley, Arizona, hans baggrund for valg til at skyde det gamle vest. Og mens de røde klipper og vidunderlige himmel i det landskab nu er velkendte til banalitet i en vestlig kontekst, her, siddende i Winston C. Hoch'S Oscar-vindende levende Technicolor-fotografering (du ville aldrig gætte, at han og Ford kolliderede i løbet af filmoptagelsen, især under den berømte tordenvejrscene, der førte til, at Hoch senere arkiverede dragt mod studiet), det hele ser frisk og nyt ud: det er at smuk. Fortællende er dog, at dette er så tæt på hjulspinding, som 'god' Ford får, idet han indtaster en meget mere episodisk og mindre fokuseret historie end normalt, som Captain Brittles (John Wayne spiller 20 år ældre end hans faktiske alder), der er ranket fra nederlaget i Little Bighorn, står over for pensionering på samme tid som en ny indisk krig truer. Sager kommer til hovedet, når han fører en mission mod et nærliggende Cheyenne-lejr på samme tid, som han skal eskortere sin overordnede officers kone og den kæmpe datter til stagecoach, men filmen er underligt antiklimaktisk i dens indiske krigsaspekter og snarere sæbe i hvordan det dvæler ved rivalisering til obersterens datteres fordel. Men måske på grund af denne ukarakteristiske løshed med hensyn til plot og tempo, indeholder filmen en enorm, usædvanligt introspektiv forestilling fra Wayne - angiveligt sin egen yndlingsrolle ud af det 180-mærkelige, han spillede i løbet af hans lange karriere. Brittles er bekymret over indgreb i forældelse og arten af ​​hans plettet arv og må kæmpe med et generationsgap, der personificeres især af Ben johnson som en af ​​hans mænd. Så i betragtning af alt dette er 'Bånd' mere et karakterstykke og en mild forløsningshistorie end den rip-brølende underholdning, Ford leverede andetsteds, men det viser også de nye strukturer og rytmer, som Ford kunne finde inden for den genre han mestrede - så meget mere end et sæt konventioner og arketyper, var den vestlige i hans hænder robust og ikonisk, men også evigt elastisk.

“Den stille mand” (1952)
Lad aldrig sige, at vi nærmer os disse Essentials-stykker let - og hvis der er en slagmark i denne, er det utvivlsomt over Fords ikoniske skive af irsk blarney, 'The Quiet Man.' Som en film kan det hævdes, at det er en eksempel på alle de værste tendenser fra Fords mere sentimentale side - her, hans tilbøjelighed til maudlin overdrivelse anvendes til en hel nation og ikke kun en karakter eller to. Filmen er et håbløst romantiseret syn på Irland som et land med flammehårede stærke viljestæer, loquacious uforenelige lokalbefolkningen og roustabouting drukkere (mest mindeværdigt Victor McLaglen, sætter sin boksebaggrund til god brug for Ford igen). På den anden side, hvis du ignorerer nogen forbindelse, kan den muligvis hævde at være til virkeligheden og i stedet betragte den som en slags 'Brigadoon”-Stil-fantasi, det er en næsten uimodståelig dosis af finurlig og gnistrende kemi, der indeholder en atypisk rolle for John Wayne i en genre langt uden for Fords komfortzone - det er i det væsentlige en romantisk komedie. Historien er ren hokum: Sean, en amerikansk ex-bokser, der ikke havde lovet at kæmpe igen, besøger Det Gamle Land og falder efter den lokale pige Mary Kate. De gifter sig, men på grund af uoverensstemmelser om ejerskab af jord nægter hendes bror at udlevere pengene til hendes medgift, hvilket får anledning til Mary Kate, der er endnu mere rasende over, at Sean nægter at bekæmpe sin bror og truer med at forlade ham. Man skal nu være mistænksom over for enhver film, hvor moralen er, at der ikke er noget problem så intractabelt, at det at trække din kone langs håret og indlede en god gammel barney ikke kan løse det, men når den særlige donnybrook fortsætter i næsten ti minutter, og inkluderer komiske hiatuer, en stadigt voksende skare af tilskuere og selvfølgelig en tur til pubben, er det svært at forblive gal. Og i en karriere, der ikke er flettet med for mange store kvindelige roller, er Fords rollebesætning en forbløffende Maureen O'Hara her er et masterstroke - ikke kun er hun alle blinkende øjne og berøringspapirstemning, men hun bringer en ægte stød af rå sensualitet til filmen. Faktisk er et utilgængeligt argument for at inkludere 'The Quiet Man' på enhver liste over væsentlige Ford-film, bortset fra at det er et fascinerende glimt på denne mest amerikanske regissørers indtagelse af den irske arv, som han holdt så kær, at det også indeholder den mest sexede scene, som Ford nogensinde har optaget. At være vidne til Mary Kate og Sean kanamle i regnen i den gamle kirkegård, især den måde Mary Kate, den hårde ting, går tilbage til et andet kys, når Sean's skjorte er pudset til gennemsigtighed mod hans krop, er en påmindelse igen om, at Fords ry som bastion i mand-mand-biograf mindsker det sande udvalg af hans talenter.

“Søgere” (1956)
Hvis det nu næsten er kliché at betragte dette ubehagelige mesterværk som begyndelsen på Fords angreb på selve myten om det amerikanske vest, at han havde været så entydigt instrumental til at etablere, er det kun fordi det er så uimodståelig en læsning med fordel af 20/20 bagpå . Men selv på det tidspunkt, med Ford i den tårnhøje spids af hans kræfter og regelmæssige filmfotograf Winton C. Hoch skalering af lignende karriere-bedste højder, historien om Ethan Edwards (John Wayne) ubarmhjertig jagt på Comanche, der myrdede sin brors familie og kidnappet hans niese (Natalie Wood), så og følte sig speciel - Technicolor-udsigterne og stemningsfulde indramning (åh, de ikoniske første og sidste skud) er bestemt ekstraordinære. Imidlertid er faklen til fyren her Fords samarbejde med stjernen Wayne, i en undergravning af hans etablerede persona som den embitterede racistiske mobbe 'helt' af stykket. For ham er den tilskyndende tragedie en uretfærdighed, ikke for at blive berettiget, men at blive hævnet i blod - hans niese såvel som hendes fanger - og Wayne går aldrig på kompromis med hans skildring af denne dybt ubehagelige karakter. Edwards er anti-heroisk, anti-anstændig, imod alle de roller, som Wayne havde trukket sig igennem for at nå sin uangripelige aborre som den ultimative mytologiske amerikanske helt - han har bestemt en kode, men den er en grim og ødelagt. Ikke desto mindre er det ikke at sige, at denne film virkelig er en revisionistisk vestlig - som senere skulle komme for Ford (1964's 'Cheyenne Autumn' er et slående eksempel). Faktisk tilbyder 'The Searchers' intet så ligetil som en vending af indgroede genre-fordommer (her er indianerne stadig blodtørstige 'villmænd'): det er en komplikation af dem, et forsøg på at arbejde tvetydighed og ambivalens og beklagelse ind i de rene linjer af traditionel genre vestlig heroisme.

“Manden, der skød Liberty Valance” (1962)
Uden selv at tælle hans mange mistede titler, er Fords massive filmografi så omfattende, at vores vurdering af den ændrer sig over tid, med nogle film, der kommer i fokus, når andre mister deres glans: det er en krop af arbejde, der næsten ånder. Noget som 'Hvor grøn var min dal, ”En bedste billede / bedste instruktør Oscar-vinder i 1941, kan falde i ry (faktisk, dens cloying sentimentalitet holdt den nostalgi-gennemvulmede historie om et woebegone walisisk minesamfund fra denne liste), mens andre film dukker op som de mere varige klassikere inden for hans output. 'Stagecoach' 's status som sådan syntes sikret, så snart den blev frigivet; ”The Searchers” tog lidt længere tid, men har nu tjent et regelmæssigt slot på tidslisterne. Men det er en proces, der er i gang, og den seneste titel på Ford's til at modtage denne form for opadgående evaluering er hans strålende, smukke, tankevækkende og spændende “The Man Who Shot Liberty Valance”, der rundt om disse dele alligevel muligvis formørkes endda de nævnte titler som den lyseste juvel i Fords krone. Historien ser James Stewarts aldrende senator Stoddard vende tilbage til den støvede by Shinbone til begravelsen af ​​den lokale ingen Tom Doniphon (John Wayne), så han endelig kan fortælle sandheden om drabet på Liberty Valance (Lee Marvin) som han havde modtaget kredit, berømmelse og politisk popularitet for. Men så indviklet som den historie fortælles (og alle rektorer er fremragende, inklusive Vera Miles som en mere dimensionel kærlighedsinteresse end Ford samledes andetsteds), er det de metaforiske og selvreferenceniveau, på hvilke filmene også fungerer, der har mest vedvarende resonans. Filmens mest berømte citat, leveret af avisredaktør Maxwell Scott (Carleton Young), ”Dette er Vesten, sir. Når sagnet bliver faktum, skal du udskrive sagnet, ”opsummerer disse temaer pænt: undertiden, som Stoddards efterfølgende karriere beviser, tjener det større godt ved at opretholde en inspirerende fremstilling snarere end at afsløre den mindre oplysende sandhed. Men det er også en uimodståelig læsning af Fords egen tilgang til filmskabelse, især i betragtning af hans påviselige gydelige troskab til historisk kendsgerning - ”The Man Who Shot Liberty Valance” er en hyldest til kraften i historiefortælling og myteskab samt et argument for at enderne retfærdiggør det betyder. En mands storhed, synes Ford at sige, er mere end værd at æg, der er brudt eller mælk spildt på vej derhen - hans resultater overskrider de metoder, hvormed han nåede dem. Anvend denne tænkning på filmproduktionens håndværk i sammenhæng med enhver anden instruktør, og det kan virke en latterligt bombastisk påstand. På en eller anden måde, med Ford, gør det ikke.

bedste robert altman film

Hvis disse ti titler danner en fin John Ford 101, kan det mere avancerede kursus omfatte en af ​​omkring tredive andre titler. Men vores forslag til yderligere visning ville sandsynligvis starte med “Vognmester”Der blev rapporteret om Fords egen personlige favorit af hans film i det mindste i en tid. Derefter, '7 kvinder”Er et fascinerende korrektiv til en karriere, der er brugt på mytologisering af mænd og maskulinitet; ”Mister Roberts”Var en elendig oplevelse for Ford, der til sidst blev erstattet som instruktør, men intet af det viser i den færdige film, som også vandt Jack Lemmon hans første Oscar; og dem, der ønsker at opleve lidt af sin karriere inden talkum, bør tjekke ud ”Jernhesten, ”En spredt beretning om bygningen af ​​den første transamerikanske jernbanelinje. Derudover er der stadig en rigdom at udforske - er der noget i hans filmografi, du ikke kan tro, at vi ikke har nævnt? Fortæl os det i kommentarerne herunder.



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse