De 20 bedste filmresultater af tiåret

Se Galleri
100 fotos

Filmmusik er nået langt i de 100 år, siden bevægende billeder først blev ledsaget af lyd (synkroniseret eller på anden måde), men sjældent har den nogensinde udviklet sig mere radikalt eller aggressivt end det gjorde i det sidste årti. Fremme af digital teknologi og / eller en generel tone i kosmisk dissonance, rock og avant-garde musikere som Jonny Greenwood og Mica Levi brugte narrative projekter som inspiration til at udforske nye facetter af deres geni, mens mere traditionelle komponister som Alexandre Desplat og Carter Burwell rejste sig til udfordringen ved at levere det smukkeste arbejde i deres karriere. Hans Zimmer gik dybt ind i det ydre rum, mens Trent Reznor og Atticus Rose kastede sig først i afgrunden af ​​at være ekstremt online.



Det var en dejlig tid at gå i biografen, selv med lukkede øjne.

Tidligere denne uge afslørede IndieWire vores liste over de 100 bedste film i årtiet. Nu fejrer vi musikken, der fik de film fast i hovedet.



Dette er de 20 bedste filmresultater fra 2010'erne. Denne artikel nydes bedst højt.



20. “Mudbound”



“; Strenge, mørke og intimitet. ”; Disse var Dee Rees ’; instruktionsord til Tamar-kali, da hun betroede den polyfon talentfulde Brooklyn-indfødt at skrive musikken til “; Mudbound, ”; og “; strenge, mørke og intimitet ”; er præcis, hvad hun fik, da de færdige optagelser blev leveret til hende bare fem uger senere. Ved hjælp af en stønn fra en kontrabas til at fange den stillestående kvalitet af filmens Mississippi Delta-indstilling, byggede Tamar-kali et fantastisk, stemningsfuldt lydbillede, der forankrer den spredte plot til en bestemt landstrækning i det dybe syd.

Øjeblikke af levity springer ud af de højere registre som flimre der undslipper en ild, men musikken vender altid tilbage til den lave rumble, disse strenge absorberer alle former for modgang og vold. Denne konsistens gør kun Tamar-kali &ssquo; s sidste spor mere kraftfulde som tortur af “; Manglende brev ”; giver plads til den guddommelige transcendens af “; … Men for kærlighed. ”; -DE

19. 'En barndoms leder' (Scott Walker)



“; En lederes barndom ”; måske indstillet i 1918, men det lyder helt sikkert meget som 2016. Skrevet af kunstpopguden Scott Walker (i modsætning til den embatterede Wisconsin-guvernør Scott Walker) starter scoringen for Brady Corbet's instruktørdebut med 17 sekunder af en orkesterstilling op, som om du advarer dig om at afstive for, hvad der skal komme. Og når de første stammer fra Scott Walker ’; s panicky akkompagnement skiver ind i lydsporet som Penderecki, der har et hjerteinfarkt, vil strengene skære i arkivoptagelser fra 1. verdenskrigs tropper, der marsjerer i dødbringende formation, vil du være glad for advarslen.

En af årtiets mest nervøse kommende-af-alders-film, Corbet ’; s første funktion er et uroligt blik inde i de formative oplevelser af en ung dreng med en mørk fremtid. Men snarere end at male et reduktivt portræt, hvor enhver voksenpsykose tydeligt kan spores tilbage til et barndomstraume, er instruktøren afhængig af Walker 's score for at artikulere det raseri, der fremkalder i hans halvlange hovedperson. Musikken anklager med autoritær selvtillid: I et stykke bryder en voldelig oprør af strenge ned i en krigsbalustrade af trompeter. I et andet antager ratatatet af en trykpresse et militaristisk beat, du kan danse til. Hver kort pusterum, som Walker skriver om dette soniske mareridt, er beregnet til at lukke os lyttere til en falsk følelse af sikkerhed, beregnet til at få os til at slappe af, så vi kan føle, når hårene på bagsiden af ​​vores hals bliver stive igen. -DE

john ambrose mcclaren skuespiller

18. “Livets træ” (Alexandre Desplat)



Det er ikke let at score en Terrence Malick-film. For det første ved du aldrig, hvor meget af din musik der faktisk bliver til det endelige klip, eller hvornår det klip kan se dagens lys. For det andet vil dine bidrag sandsynligvis være nødt til at konkurrere med flere af de største orkestrale kompositioner, der nogensinde er skrevet, som Alexandre Desplat opdagede, da bruntet af de symfoniske stykker, han bidrog til 'Livets træ' blev kastet til side til fordel for tidløse mesterværker fra som Gustav Mahler, Hector Berlioz og Johannes Brahms. Det er svært at konkurrere med Brahms!

Men Desplat, der har en tendens til at udmærke sig i en klassisk vene, leverede en af ​​sine bedste scoringer alligevel. Malick kan være hensynsløs, men han har også en måde at finde de perfekte billeder til for at få nogens musik til at føle sig transcendent (spørg bare Ennio Morricone). Desplatts subtile, insisterende arrangementer giver Malicks vision af fortiden en delikat kraftfuldhed og lægger en forhastet ærefrygt over hans glimt af fremtiden. Partituret bruges sparsomt, men det undertiden strækker bogstaveligt talt filmen sammen, når Malick forbinder prikkerne mellem Big Bang og Sean Penn. Det er en ting af stille undring og en kraftig påmindelse om, at Malick i sidste ende får det bedste ud af sine samarbejdspartnere. -DE

17. “En spøgelseshistorie” (Daniel Hart)



Der er bogstaveligt talt ikke noget som en David Lowery-film uden Daniel Hart-score - hver eneste af instruktørens funktioner, der strækker sig helt tilbage til 2009 ’; s mikrobudget “; St. Nick, ”; er lavet i samarbejde med Dark Rooms frontman. Dette samarbejde har været instrumental til det rige humør og den rustikke energi fra film som “; Ain ’; t dem Bodies Saints ”; og “; Pete ’; s drage, ”; men Hart ’; s musik er selve sjælen i “; A Ghost Story, ”; disse knirkende sange har intet mindre end at formidle lyden af ​​evigheden.

Så hvad lyder evigheden som 'allowfullscreen =' true '>



Rachel Portman ’; s strengtunge score for Amma Asante ’; s spændende periode stykke gentager dets eponyme føring i stil og struktur - gammeldags og dejlig, overraskende stærk og skyhøje. Asante ’; s film følger Gugu Mbatha-Raw ’; s Dido Elizabeth Belle, når hun forsøger at komme til sin egen, til trods for undertrykkelserne af Storbritannien fra det 18. århundrede og hendes outsider-status på grund af hendes arv af blandet race. Belle &ssquo; s eksistens er tilsyneladende man ser på høje samfundsstandarder - hvilket giver Portman plads til at arbejde i mere traditionelle strenge og skove - men da hun kæmper med den sans, at hun stadig ikke hører til og forelsker sig i en mand, som hun måske ikke nogensinde kan være sammen med, det giver plads til stærkere toner og flere racernotater.

En sådan fuld historie at spore er helt sikkert en gave til enhver komponist, og Portman spilder ikke en note, hvilket gør “; Belle ”; score en fuldspektret affære, der synes både charmerende passende for æraen og virkelig fremadstormende i sin sammensætning, ligesom den heltinde, den forsøger at blive til sang. til-

15. “Første mand” (Justin Hurwitz)



På “; Første mand, ”; det var komponisten Justin Hurwitz ’; s skræmmende opgave at finde en sonisk artikulering af Neil Armstrong ’; s menneskehed; at bygge en tovejsbro mellem Armstrong som et banebrydende symbol på amerikansk exceptionalisme, og Armstrong som en sørgende ven og far, der måtte nå stjernerne for at skabe fred med de kære, som han mistede i himlen. For at gøre det gjorde Hurwitz enorm brug af thereminen ved hjælp af det rummelige instrument til at splitte forskellen mellem menneskehed og teknologi. Du kan høre dens smertefulde vridning foran og midt i øjeblikket efter Armstrongs ene gigantiske spring for menneskeheden, men det hulker også i baggrunden på sporet, der først opretter Armstrongs ægteskab med sin kone Janet, som et ekko dybt inde hullet i deres hjerter.

Til tider føles det som om Hurwitz er Armstrongs eneste følgesvend. Intet sted i filmen er hans score mere tilstedeværende end i månelandingssekvensen, et åndeløst crescendo, der præsenterer Chazelle ’; s synestesi-lignende tilgang til filmisk lyd; partituret er så fuldstændigt bundet til billedet, at det næsten føles, som om du ser musikken. -DE

14. “Jane Eyre ”; (Dario Marianelli)



Hjertet og sjælen til Cary Fukunaga ’; s strålende og dyster atmosfære 2011-version af “; Jane Eyre, ”; Dario Marianelli &ssquo; s hjemsøgte score ikke destillerer bare livets melankoli på hederne, det fungerer også som perfekt lytning til en regnfuld søndag eftermiddag togtur eller en nat med gammeldags længsel.

Forankret af den britiske violinist Jack Liebeck, Marianelli &ssquo; s score er en meget grå ting, dyster, selv når det klæder sig til et bryllup. Men der er en kraftig puls, der ligger til grund for selv de mørkeste af disse spor, strengene, der sparker rundt om hinanden som voldelige stormstorme, når de får ømme efter noget, vi kan føle uden at se. Det er et trick, der kommer godt med, hvis ikke for Jane, så for den mand, hun elsker mest. -DE

13. “Beasts of the Southern Wild” (Dan Romer & Benh Zeitlin)



Uanset hvad dine tanker om 'Beasts of the South Wild' er, er det svært at benægte, at Dan Romer og Benh Zeitlins rige og ekstatiske score gjorde meget af det tunge løft for den film og pumpede indie-breakoutet fuld af liv med en pakke musik, der griber fat du ved hjertestrengene og slipper aldrig. Fra de skælvende strenge til de skyhøje horn til de smukke melodier, der holder dem alle sammen, skaber denne komplicerede og følelsesmæssigt spændende musik en hel verden i dit hoved; det er lyden af ​​længsel og smukt kaos og løber gennem verdens ende med gnistre der skyder ud af hver hånd.

Det var helt overraskende, at 'Beasts' -score blev en hæfteklam i tv-reklamer, fordi det har magten til at få alt på skærmen til at føles som den mest essentielle ting på Jorden. Instruktør Zeitlin har været travlt med at tænke væk på sin næste film, men denne score prægede Dan Romer som en af ​​årtionets mest efterspurgte komponister; han vil starte det næste årti med at score den nye James Bond-film. -DE

amerikanske gyserhistorie afsnit 11

12. “Swiss Army Man” (Andy Hull & Robert McDowell)



Historien om en selvmordsmand på en øde ø, der farter sig til frihed ved at opdage et hyper-flatulent lig og ride det over havet som en gasdrevet jetski, “; Swiss Army Man ”; burde ikke endda eksistere, hvad så ikke desto mindre koheres ind i en bevægende humanistisk film om alle de ting, der gør livet værd at leve. Men kohæren gør det, dets ethvert aspekt indstillet til den samme vidunderligt demente bølgelængde. Og det gælder dobbelt eller tredobbelt for sit lydspor.

Skrevet af Andy Hull og Robert McDowell (bedre kendt som forsanger og guitarist i det forvirrende navngivne Atlanta-rockband, Manchester Orchestra), udføres denne strålende suite med musik udelukkende en cappella - når det kom til at skrive den perfekte akkompagnement til en film der fejrer den menneskelige krops skønhed og latterlighed, var mennesker de eneste instrumenter, som Hull og McDowell havde brug for. Det færdige produkt er en fyrtåge med huder og harmonier, der minder om Björk's utrolige “; Medulla ”; i, hvordan det kompliceret lægger forskellige stemmer ind i rige soniske teksturer. To af disse stemmer tilhører stjernerne Daniel Radcliffe og Paul Dano, der synger æteriske omslag af alt fra “; Cotton Eye Joe ”; til temaet fra “; Jurassic Park, ”; improvisere deres egne tekster, når det er nødvendigt. Det er sjovt, det er underligt følelsesladet, og - i tilfælde af “; Montage ”; - det er umuligt at komme ud af dit hoved. -DE

11. “God tid” (Daniel Lopatin)



Hvordan forvandler du den mest kendte by på planeten til et helt fremmed sted 'allowfullscreen =' true '>



Frisk fra hans majestætiske score for “; Phantom thread ”; - som han skrev efter dette - Radiohead multi-instrumentalist Jonny Greenwood genskabte sammen med “; We Need to Talk About Kevin ”; instruktør Lynne Ramsay for en anden af ​​hans uimitabelt dissonante symfonier. Og takk Gud for det, fordi der ikke er nogen, der fortæller, hvor lang tid det kan vare, før Paul Thomas Anderson kommer rundt til sin næste film.

“; Du var aldrig virkelig her ”; er en brutal, brudt historie om en destabiliseret hitman (Joaquin Phoenix), der kun kan finde sig selv gennem vold, i det mindste indtil en lignende traumatiseret lille pige giver ham en chance for trøst, hvis ikke frelse. Greenwood ’; s snevet akkompagnement er som en hovedpine, du kan danse til. “; Sandet ’; s halskæde ”; gifter sig med Stravinsky-esque panik af “; Der vil være blod ”; til surferesporene fra “; Inherent Vice, ”; hvilket resulterer i et stykke, der artikulerer en urolig cool, som Phoenix kun vil lade sig selv klage. “; Jakten ”; forestiller sig volden, som Ramsay skærer ud af de mest elliptiske actionscener i den nylige hukommelse, på meget samme måde som Bernard Herrmann ’; s skrikende fioliner implicerede knivstikkene i “; Psycho. ”;

Mest resonant af alle er de cascading strenge (og synthesizere), der vaskes over scenerne, der bookend filmen, da Greenwood - og London Contemporary Orchestra - finder en sjælden grad af nåde for Ramsays helte. Dette er en gnarly film, men Greenwood indpakker den i ømhed. -DE

9. “Cloud Atlas” (Tom Tykwer, Johnny Klimek & Reinhold Heil)



Plottet med 'Cloud Atlas' hænger sammen med et stykke musik - et pianobaseret sextet - der trækker sammen en gruppe ærlige sjæle i løbet af flere århundreder. For alle Wachowskis 'visionære genier i at tilpasse David Mitchells roman, ville filmen simpelthen ikke fungere, medmindre co-instruktør Tom Tykwer og medkomponister Johnny Klimek, og Reinhold Heil formåede at komponere noget, som trodsvis kunne udstå i hundreder af år, gennem krige og opfindelsen af ​​samspilningsrejser og uanset række uforudsigelige begivenheder kan gøre Hugh Grant til en kannibal. De gjorde. -DE

8. “Hvis Beale Street kunne tale” (Nicholas Britell)



Nicholas Britell og Barry Jenkins laver magi sammen. Britell ’; s knuste, katartisk score for “; Moonlight ”; hjalp med at fremdrive denne film mod ære, og hans musik spiller en endnu mere fremtrædende rolle i Jenkins ’; sanselig James Baldwin-tilpasning, “; Hvis Beale Street kunne tale. ”; Britell's strenge ryster og svirrer med en tidløshed, der gør det muligt for denne fejring af sort kærlighed og udholdenhed at genskabe gennem årene.

Musikken antager den samme form som Jenkins ’; langsomt billeder; virvlingen af ​​“; Eden (Harlem) ”; er lyden af ​​Kiki Layne, der kigger ind i linsen i en langsom nærbillede, eller Stephan James udånder en pust cigaretrøg, når han tænker på hende. “; Eros ”; er den reneste destillation af, hvordan det føles, når mennesker i kærlighed adskilles af cinderblokke eller et panel af plexiglas. Så tyk og honet som Britells score for “; Måneskin ”; var skarp og blodig, scoringen for “; Hvis Beale Street kunne tale ”; gør det så meget lettere at stole på den kærlighed, der tager denne film hele vejen. -DE

7. “Under huden (Mica Levi)



Med kun en håndfuld scoringer under sit bælte har Mica Levi (tidligere Micachu og The Shapes) etableret sig som uden tvivl den mest spændende filmkomponist, der arbejder i dag. I “; Under huden ”; en film, der udforsker, hvad det betyder at være menneske, Levi ’; s bruger perkussive og synthlyde, der bringer liv i det indre af en hovedperson, der er meget Scarlett Johansson på ydersiden, men en fremmed indeni.

Hver oplevelse er formet og farvet af musikken, der minder os om denne ikke-menneskelige linse, men alligevel gør de hvirvlende strenge det også mystisk og nyt, snarere end blot Andet. Levis musik kan være usammenhængende, undertiden slibende, men der er altid stykker af klassisk skønhed. Og når det er nødvendigt, kan disse strenge fremkalde det bedste fra Bernard Hermann, da Johansson 's lokke af mænd ind i den soppige afgrund praktisk taget er & Vertigo ”; -lignende. CO

6. 'The Handmaiden' (Jo Yeong-wook)



En tiltrådt maksimalistisk, koreansk auteur Park Chan-wook laver film, der er lette at værdsætte for deres individuelle elementer - hvert af hans kamerabevægelser ankommer med intensiteten af ​​en orkesterdirigent, der vifter med sin tryllestav, hver af hans scoringer meddeler sig på ny med hver note. Det har aldrig været mere sandt, end det er i “; The Handmaiden, ”; som mangeårige Park-samarbejdspartner Jo Yeong-wook leverer et riotisk unsubtle (og uhyre smukt) rod af musik, der rammer sig over næsten alle rammer i dette frække epos.

Et spændende sæt kompositioner i sig selv, Jo ’; s forfærdeligt usubstig akkompagnement, trænger ind i hver ramme af Park ’ s lurid masterwork, der tillader melodrama at gå for brød og udfordre forestillingerne til at møde lejligheden. Musikken bølger og seethes med den samme vanskelige følelse af formål, der gør filmen så sjov at se - lyt til et stykke som Wedding, ”; dens boblebad af klarinetter, der kredser rundt om et nervøst skælv af violin, og du kan alle undtagen se historien udfolde sig foran dig. Jo's bedste kompositioner, ligesom barnestorming “; Træet fra Mount Fuji, ”; er lige så virtuos som ethvert af de svævende skud, der er blevet Park ’ s visuelle signatur, og de lades frem med den samme fatalistiske nåde. -DE

5. “Interstellar” (Hans Zimmer)



'Interstellar' var ikke den mest indflydelsesrige score, som Hans Zimmer skrev til en Christopher Nolan-film i dette årti. det ville selvfølgelig være 'Begyndelse', der ændrede filmtrailere for evigt (hvis ikke helt til det bedre) med sonisk fordøjelsesbesvær af en enkelt lav BRUMMMM !! Heller ikke 'Interstellar' var den mest komplicerede eller målbevidste score, som Zimmer skrev til en Christopher Nolan-film i dette årti. det ville være hans arbejde med 'Dunkirk', som formåede at holde tiden i en åndeløs krigsfilm, der forsøgte at trække den fra hinanden. Men 'Interstellar' var uden tvivl den mest presserende og vidunderlige score, som Zimmer skrev for Nolan i dette årti, eller som nogensinde har skrevet for nogen.

Bygget omkring et fire-manuelt Harrison & Harrison kirkeorgel fra 1926 (et af de eneste instrumenter på partituret, som komponisten ikke spillede selv), er Zimmer's himmelske musikpakke en sjælsom og opfindsom blanding af lyde, der er placeret et sted mellem fortvivlelse og håbløs - mellem at trække sig tilbage til slutningen af ​​menneskeheden og at tage et sidste skud-og-en-bøn-skud for at redde det. Kompositionerne i sig selv er rodfæstet i tydeligt jordbundne klassiske traditioner og kredser rundt om de grundlæggende mønstre, der er i bunden af ​​vestlig musik.

Men den måde, hvorpå disse kompositioner blev indspillet, peger mod det ukendte enorme, da Zimmer brugte et rod af synths og fordrejede menneskelige stemmer for at strække musikken ud i fremmed territorium. Til at begynde med føles denne abstraktion som en forestående trussel. Men når filmen (og musikken) fortsætter, begynder den at føles som et fyrtårn, og kalder os mod det næste kapitel i vores eksistens. Uanset om det høres i stykker eller fuldt ud, er det et overvældende arbejde og drivkraften bag Nolans kosmiske vision. -DE

4. “Det sociale netværk” (Trent Reznor & Atticus Ross)



Nu betragtes som en af ​​aughts største film, “; Det sociale netværk ”; blev afvist af mange som simpelthen “; Facebook-filmen ”; før dens frigivelse. Og hvorfor ikke 'allowfullscreen =' true '>



I juni 2014 blev den japanske komponist Sakamoto Ryuichi diagnosticeret med halskræft i trin III. Den 10. juli samme år bekendtgjorde han sin sygdom for offentligheden og frigav en erklæring, hvori han udtrykte sit behov for at tage en pause, og undskyldte “; for al den byrde, jeg utvivlsomt vil lægge på alle, der har arbejdet med mig på forskellige projekter. ”;

Det følgende forår, efter at Sakamoto afsluttede en intens runde med kemoterapi, modtog han et presserende telefonopkald fra instruktør Alejandro González Iñárritu, der bad ham om at flyve til L.A. - i morgen, hvis det er muligt - for at diskutere at score en film kaldet “; The Revenant. ”; Sakse, sår og trætte lige fra at vågne op, accepterede Sakamoto invitationen. Han beundrede Iñárritu for meget til at sige nej.

Mindre end seks måneder senere afsluttede Sakamoto med at optage en af ​​de bedste filmresultater i det 21. århundrede. Det er et frit og hjemsøgt stykke arbejde, præget af store tavshed, der afspejler naturens kaos, lige så uforudsigeligt og indbydende som overfladen på en frossen sø. Klaverangreb forvrænges, indtil de rumler som ruller med fjern torden, mens presserende snore presser sig ind i blandingen med en sådan kraft, at du næsten kan høre de første blodige striber af orange sollys kryber over horisonten og kalder dig hjem. Det er lyden af, at nogen finder en vej tilbage til deres krop ved at lytte til dens sted i verden omkring dem. Hvis det er den perfekte akkompagnement til Iñárritus historie om en krøllet mand, der kravler sig hen over en frosset hvid tundra, er det fordi det er den perfekte akkompagnement til Sakamotos historie om at kæmpe sig vej gennem mørket ud over det. -DE

2. “Carol” (Carter Burwell)

Begyndende med en ængstelig se-sag af strenge, før han lader sig bære med den rigeste klavermelodi, som Carter Burwell nogensinde har skrevet, scoringen for “; Carol ”; griber dig ved brystet fra åbningsnoterne og trækker hele din krop ind i en kærlighedshistorie, som ’; s stort set fortalt gennem furtive udseende og sarte bevægelser. Musikken skynder sig frem med en så ubønnhørlig kraft, at det føles som selve skæbnenes lyd - det ’; s lyden af ​​dine ben, der vender sig til gelé og går mod det store ukendte, som om de ikke længere har et valg.

Når Therese Belivet presser hendes ansigt mod det regnstribe vindue i en taxa og tænker på det liv, hun & nægter at nægte for sig selv, lyder hver note med beklagelse, da Burwell giver dem mulighed for at ekko fra major til minor og tilbage igen. Når Carol Aird vælger kører hende gennem Holland Tunnel på vej mod New Jersey, og hvad der sker dernæst, er Helen Foster & The Rovers ’; “; Du tilhører mig ”; smelter ind i partituret på den måde, at alt er underlagt af vores mest værdsatte minder. Og så er der den sidste cue, der crescendoes med så meget følelser, at Todd Haynes ’; film kan ikke håbe at indeholde den - historien har at slutte, når musikken gør det, at tatovere os med den viden, at ingen fremtid, vi måske forestiller os for disse figurer, muligvis kunne være lige så smuk som det nuværende øjeblik, de ’; har givet hinanden. -DE

1. “Phantom thread” (Jonny Greenwood)



Jonny Greenwood, den overnaturligt kreative Radiohead-instrumentalist, der styrer Thom Yorkes geni og skubber bandet fremad, har altid forstået den servile natur at skrive musik til film. Hver af de strålende scoringer, han ’; s tidligere er komponeret til Paul Thomas Anderson, er blevet bundet til deres film på molekylært niveau, hvor deres uenige strenge blev syet ind i materialet som mørke tanker. Hvis Greenwoods bidrag til “; Phantom thread ”; er den smukkeste (og selvbærende) musik, som han nogensinde har skrevet til skærmen, det er kun fordi hans kompositioner er endnu mere uløselige fra denne film, end de var fra “; There Will Be Blood, ”; “; Mesteren ”; eller “; Inherent Vice. ”;

Med risikoen for at være lidt for sød ved det, kan du sige, at “; Phantom thread ”; bærer Greenwood ’; s elegant forstyrrede score på den måde, som Reynolds Woodcock håber, at hans lånere måske bærer en af ​​sine magisterielle kjoler, hver af disse symfoniske stykker, der er dræbt over filmen som en forsigtig smule stof, der afslører skønheden (og volden) af det, der ligger under . At bygge ud fra filmens hovedtema - en delikat hvirvelvind af violer, der kommer i fire forskellige variationer, ligesom en model, der er nyudstyret for hver nye modesæson - Greenwood ’; s score er et mesterværk af urolig skønhed, et glas sherry pigget med gift.

Først i forfalskede stykker som “; Boletus Felleus ”; og “; Sandeltræ I, ”; skønheden er bekymrende. På det tidspunkt, hvor vi kommer til det klimatiske forhold til “; For the Hungry Boy, ”; uroligheden er blevet smuk. Greenwood giver perfekt indtryk af tidevandsdynamikken i Anderson ’; s perverse romantik og oversætter dem til noget, som alle kan føle for sig selv. Takket være Greenwood, “; Phantom thread ”; ville stadig være et af årtiets bedste film, hvis du så det med lukkede øjne. -DE

sang af 13 grunde hvorfor

Klik her for mere af IndieWires dækning af Best of the Decade.



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse